10、《笑傲江湖2东方不败》
金皮古骨的武侠电影。
大雾、密林、忍者、苗客、流莺，武侠电影里该有的元素这里面都有，绝对是华语武侠电影的巅峰之作，没有之一。
林青霞的东方不败给人留下了太深的印象，以至于直到现在我依然认为华语女明星她排第一。
东方不败的角色设定是非常适合《笑傲江湖》这部作品。因为相对程度上，金庸通过性来表现了不同性别下的差异，从而向读者提出了一种选择的问题。是选择成为一个无情的权谋的人，还是放弃权力选择感情。
笔者姑且认为，至少那一瞬间，令狐冲在他心中，比他的江山更加重要。
其实江湖的尽头，不在牛背山，而在黑木崖。一群人轰轰烈烈的说要退出江湖，最后真正退出的，只有东方不败一人。他将皇图霸业付于谈笑，在说“我要你永远记得我”时，浮现出近乎得意的神情。
自始至终，他面对生命而或爱情，不乞讨、不卑微。他只将命运的给予看做人生最极致的挑逗，人生得意须尽欢，长夜漫漫不觉晓。
9、《卧虎藏龙》
该片获第73届奥斯卡最佳外语片奖，也是华语电影历史上第一部荣获奥斯卡金像奖最佳外语片的影片，这是华语电影打向奥斯卡的一座里程碑。
李安在一次采访中说，他觉得“孝顺”二字已经过时了，现在他不会教育自己的小孩要孝顺自己，只会教他们爱。
我觉得他是一个很爱讲实话的人，他的这种思想完完全全体现在了他的电影中——对“儒”的反叛心理。
这部电影的核心实际上就是儒与道的挣扎，或者说是三纲五常与人的天性的徘徊。
现在的年轻人何尝不是被各种教条、规矩束缚成一具具行尸走肉。年轻时一腔热血，步入社会后被家庭、社会一遍遍蹂躏、打磨。
片中大侠李慕白以儒家礼数自约，在临死前一刻才吐露了爱意，俞秀莲虽然行走江湖，骨子里却十分传统，守寡多年恪守妇道。
而玉娇龙、罗小虎都是反叛者，他们不愿意让世俗压抑自己的性情。
《卧虎藏龙》里有两种江湖，一种是李慕白俞秀莲的道义江湖，一种是碧眼狐狸罗小虎的野性江湖。前者是不自由的，后者是非正统的，玉娇龙也是在这两者之间摇摆。 李安对于江湖、生命、追求的思考耐人寻味。
8、《断刀客》
岭南烈酒烧西域，天高地远自逐江湖。
徐克的电影总有他独特的视觉美学，如今看27年前的片依然觉得武打片的经典还是得那个时代的港片，这就是徐克的江湖。
另外，这部电影给人的感受最深的是旁白和影像勾带出的一股子情绪，而非叙事。
它的故事刻板、情节粗粝，有很多看得出来根本未经打磨的情节。
如果你走马观花的第一次看，该片的故事无法凭记忆回溯。
但片中流动的台词、光影、氛围、情绪却表达的令部分武侠电影望尘莫及。
镜头鬼魅幽暗，故事环境潮湿肮脏，人物粗野直露富动物性，区别于一代宗师中描绘的那个一招一句余韵不尽、言行举止皆有来处、端谨礼正的武林，徐克面向观众拼写的是一个远离庙堂诉诸乡野、在伤口和血液中游走奔突、以生存意志为驱动类似丛林生态的江湖。
7、《新龙门客栈》
港片黄金时代的产物，新武侠的奠基之作。
林青霞和梁家辉亦将江湖儿女的情怀与抱负演绎的丝丝入扣。
《新龙门客栈》的武打场面创新之处在于，在展示武打动作之外也着重展现人物感情的变化对武侠精神的诠释在胡金铨版的《龙门客栈》里落脚在了“忠义”，在徐克监制的《新龙门客栈》里，对“情义”的发现成为扭转战局的关键。
时至今日，《新龙门客栈》仍旧是90年代不得不提的经典武侠片，它的出现是侠义精神在新时期的拓展。
说到《新龙门客栈》，就必须提胡金铨拍的《龙门客栈》。
徐克把老版本的萧少兹一个人的角色改成了周淮安和莫言。
转眼《新龙门客栈》已经接近30年了，如今回想起来，电影的许多情节都已经模糊不清，但是梁家辉、林青霞与张曼玉塑造的几个人物形象却是如此的清晰。梁家辉与林青霞在乱世当中的深情，张曼玉亦正亦邪，敢爱敢恨的性格，至今回想起来都还是那样的栩栩如生。
时间改变了一切，唯一不变的就是人性的善良与世间的正义。
6、《新独臂刀》
那个年代，邵氏电影最卖座的一个组合，狄龙、张彻、姜大卫。
开头的几个定格彰显的身怀绝技利落潇洒，远景镜头暗示阴谋进行，几处推、摇镜头渲染气氛，镜头移去移回手臂便成枯骨，雨景与断臂的叠印，回忆时的变焦，看得酣畅淋漓。
狄龙的血气与姜大卫的轻逸竟形成了绝妙的阴阳调和，肢体的残缺更能视作性别的翻折。此作，男色片被推至极致。那独臂的白衣少年自立于木桥之上，张彻拉到远景形成对称，两旁的芦苇，翻上桥的敌人。
这部电影无论是被曲解为雄性荷尔蒙迸发的断袖戏或夺人眼球的极端审美，抑或是被称赞为暴力美学与浪漫主义的融合，豪情热血和意气风发的兼顾。
还是很喜欢影片的结尾，雷力报仇后，站在封俊杰的墓前，大风萧萧、血染白衣。
他终究是祭奠了浪漫的情怀。
这就是武侠的浪漫所在， 所谓快意，就是有些情义，你不须想也不须问。
5、《风云》
《古惑仔》剧组重聚，漫改巅峰之作，这部电影票房很高，据说是90年代除了双周一成的票房冠军，你能想象一群刚上初中的男生看到这个片两眼放光的样子吗！
这部电影改编《风云》“天下会”篇章，这段故事描写的是风云出世，帮派厮杀、兄弟情仇、师徒莫问，很有年轻气盛的江湖味道，因此电影拍的也青春靓丽，辅以电脑特效还原的漫画场面，算是港漫改编的佳作。（98年的特效！）
最大的遗憾在于雄霸和风云的师徒情刻画还是不够，那种宿命论的气质稍逊。
全片印象最深的是张耀扬演的少林师傅（乌鸦哥难得演了一次正派），以及《虫儿飞》。 至于孔慈，只能说“女人天真的眼神，藏着冷酷的针”，她不知道不能同时爱两个人。
作为最早一批合拍片，香港团队的自由度还是非常高的，取景和群演配备上都是应有尽有，尺度也不会过多限制。
说句题外话，北上导演到现在最大的利好就是资金和人员，这是以前香港电影难以做到的，也是类型片能继续发展的前提，而不一样的是题材上的偏移和与本土叙事的割裂，但对于徐克为首的重类型的导演足以大展拳脚。
4、《侠女》
论胡金铨的造梦之术，竹林里的刀光剑影。
充满江湖侠气的武侠片，实实在在的一刀一剑。不知道从什么时候开始，武侠片的侠骨柔情只剩儿女情长，再也难看到大侠情怀。
这部电影在剪辑上，胡金铨用了抽帧，比如一个凌空而起的镜头，剪掉其中几帧，重放的时候，效果就是这个人凌空一跃就飞起来了，极富张力和速度感，有东方的写意理念。
横向对比，胡金铨的武侠片和黑泽明的剑戟片可以相提并论，前者从后者处汲取营养，同时代，都探索出了具有自己作者性的美学风格，且对后世有着深远影响，私心也更喜欢胡金铨。
这部《侠女》也完全有对女性主义的充足解读空间。他与张彻的区别也在于他不保守，对视听技法的使用更加大胆，未泯然众人。
3、《黄飞鸿之男儿当自强》
《黄飞鸿》系列最棒的一部，身不由己的甄子丹和重情重义的黄飞鸿。
李连杰和甄子丹充满想象酣畅淋漓的打斗，几乎可以盖棺论定的说只有这一场了。
大时代背景下的武侠，前有公车上书，后遇孙逸仙，把黄飞鸿遥远的不可触及的大侠形象拉到近处。动作戏还是一样好看，不过这次也更加凸显了社会与人民所存在的问题，而不是仅仅是展现侠义。
在黄飞鸿与白莲教信徒们打得时候，观众甚至感受到了一丝绝望，只把希望寄托在所谓的神明身上的百姓是难以改变的，能做的只有打破他们的信仰，但是这个过程是最残忍但是又不得不去做，很庆幸当时有无数孙文这样的人在唤醒民众，才会有现在的我们，感谢那些默默牺牲的先烈们。
若干年后，甄子丹拍了《叶问》系列成为他的代表作，但是打斗环节和这部相比差的不是一个层次。
不得不说，当年的徐克的格局真的太大，太符合观众的胃口了。
2、《东邪西毒》
年轻时是奔着金庸小说里的刀光剑影去看的，结果很失望。
年纪渐渐大了再去复看结果更失望。只不过失望的是年轻时的浅薄无知。如果可以重新来过，我定毫不犹豫去答应她。
或许，时间的灰烬是记忆。西毒囿于过往报复社会，东邪假装忘记醉生梦死。当时勇敢地珍惜，过往才能坦然地接受。
王家卫的风格真的感觉像是看了一首诗。像是讲述那些曾经爱过又失去的怅然，又包涵爱而不得的痛苦。
刀光剑影的侠与杂糅的情愫遥遥相望，独立傲视又缠绵悱恻。爱情就是一个矛盾体，得不到的永远在骚动，得到的又有恃无恐。
浪子、痴女，大漠。很喜欢这部电影的意境和台词，爱情里谁对谁错谁又分的清，只有得不到的悔恨和忘不了的痛苦。
刀光剑影的江湖，一坛醉生梦死，每个人都在苦苦寻找解脱，爱情只是个借口。世间那有醉生梦死的酒，不过是越想忘记，却记得更清楚。这个片子就是做成广播剧，即使不看画面也能听。因为声音太迷人。斯人已逝，流光魅影仍辗转流离。
1、《五郎八卦棍》
83年的武侠动作电影，一枪一刀一比一划都是真功夫不是特效，结合《龙虎武师》的介绍就可以知道当时拍摄的高水准，当年的武指水平放到现在也足令许多当代武侠片汗颜。
更是傅声遗作，和《南斗官三斗北少爷》都是拍到一半。原定后半段是傅声的杨六郎去找出家的杨五郎，但也只能改成杨八妹去找了。 金沙滩大战是在棚内简陋布景拍的，看着很戏曲舞台范儿。
这杨五郎兵败出家，一味地独断专行莽撞无礼，不修佛法不参禅意，只在避祸躲灾。 动作设计始终透着一股愤懑之情，八卦棍使成了拔牙棍。
当然，杨家将的故事只是表面，背后对杀戮与复仇、自由与正义的思考才是核心，电影开头在摄影棚拍摄的金沙滩一战非常有戏剧的味道，刘家良通过对武术动作的细致展现避免了所谓的大场面，反而让这次战斗的悲剧和宿命意味更加凸显，而杨五郎也是一个非常有复杂性的角色，让影片在描绘动作戏的同时也让观众思考所谓的忠诚的代价，和刘家良的许多电影一样，佛教在人物命运中的作用是剧情转折的关键，但杨五郎终究还是成不了佛门弟子，因为国仇家恨给他套上了宿命的枷锁。
他必须去完成复仇，这个故事才能圆满，在电影的短促的结尾却又让杨五郎最终的选择变得耐人寻味，他的放逐与其说是大仇得报后的释然，不如说是对所谓的杨家将精神的反抗，在牺牲自我报效朝廷的忠烈精神面前，个人的情感就不值一提了，我们是否就必须去接受这种命运呢？人终究需要独立地行走于天地
当然，杨家将的故事只是表面，背后对杀戮与复仇、自由与正义的思考才是核心，电影开头在摄影棚拍摄的金沙滩一战非常有戏剧的味道，刘家良通过对武术动作的细致展现避免了所谓的大场面，反而让这次战斗的悲剧和宿命意味更加凸显，而杨五郎也是一个非常有复杂性的角色。
让影片在描绘动作戏的同时也让观众思考所谓的忠诚的代价，和刘家良的许多电影一样，佛教在人物命运中的作用是剧情转折的关键，但杨五郎终究还是成不了佛门弟子，因为国仇家恨给他套上了宿命的枷锁，他必须去完成复仇，这个故事才能圆满。
在电影的短促的结尾却又让杨五郎最终的选择变得耐人寻味，他的放逐与其说是大仇得报后的释然，不如说是对所谓的杨家将精神的反抗，在牺牲自我报效朝廷的忠烈精神面前，个人的情感就不值一提。
我们是否就必须去接受这种命运呢？人终究需要独立地行走于天地。
最后插播一条冷知识，邵氏在拍此片时宣布停拍动作片，傅声又不幸去世，一个时代就此终结。
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