文 | 老余论史
编辑 | 老余论史
在欧洲音乐史上，贝多芬是一位重要的作曲家。贝多芬以音符的形式记录了当时社会的动荡不安与剧烈变化，其三十二首钢琴奏鸣曲在结构上有很大的创新。
《热情奏鸣曲》以其巧妙的结构，丰富的演奏技巧，生动的音乐意象，成为古典奏鸣曲体裁中的经典作品。我们以《热情奏鸣曲》的第一乐章为研究对象，从其创作特点、曲式结构和演奏技巧三个方面对其进行了分析。
贝多芬是18世纪后半叶以来最负盛名的德国古典主义音乐家，其音乐创作与其所处的时代背景密切相关。
贝多芬的32首钢琴奏鸣曲被称为“新约圣经”，它和巴赫《平均律钢琴曲集》被称为“旧约圣经”。从这一点可以看出，他的32首钢琴奏鸣曲对钢琴创作产生了深远的变革作用。
《热情奏鸣曲》第57号作品，创作于1804至1806年，当时正是经济蓬勃发展的时代，它充分地展现了这个时代的矛盾。
《热情奏鸣曲》集古典与浪漫主义于一体，其创作特点具有贝多芬成熟期的鲜明特点。从作品的整体风格中，可以感觉到强烈的矛盾，这是贝多芬内心深处对命运的一次抗争。
这部作品反映了贝多芬的雄壮，戏剧，抒情，沉思，呐喊等各种情绪。贝多芬用最简洁的材料，最精炼的技巧，将这些复杂的情绪在作品中舒展开来。
贝多芬自己就是建立在英雄人物崇拜的基础上，在作品中不仅塑造出一个个英雄人物，而且为整个作品的发展奠定了基础。从乐句的展开，到旋律和节拍的节奏，都可以看出作品的英雄情怀。
作品中的戏剧性主要体现在场景的塑造上，当乐曲进入高潮的时候，低音声部的主题出现给人一种安静又令人震惊的听觉感受，乐曲的推动力逐渐增强。
在大调的明朗轻快和小调的阴暗氛围之间，情绪从平和舒缓到压抑黑暗来回交替，乐句的发展和节奏的变化足以将作品的戏剧性凸显出来。
贝多芬的作品在调式，旋律，节奏等方面都表现出抒情的特点。纵观整首作品，无论是调式，旋律，还是节奏节拍，都无时无刻不体现着他的思索和呐喊，这些情感表达充分显示了他丰富的创作色彩。
《热情奏鸣曲》的第一乐章以 F小调的形式演奏，分为四个部分，分别是开场、展开、再现和结尾。
《热情奏鸣曲》在演奏技巧上的梳理主要集中在三个方面，即指法、踏板的运用和音色的处理。
从1到16个小节，主奏部分，首先要做的，就是安静的音效，然后是“pp”这个音量。
这一部分需要触碰琴键才能弹奏，同时这四个小节中有更多的十六分音符，为了防止十六分音符消失，在整个“pp”中，十六分音符需要触碰更多的琴键。
接下来，他要按照第一乐句的节奏，在空拍的时候，他的双手要做好准备，因为低音区的声音比较低沉，所以他的手要轻柔，要精准地控制好力道，才能让他的手贴在琴键上。
其中第三，第七，第十一小节的模入第一个音符贴着键弹出，其后部的颤音同样贴着键轻巧地带着音符进入弹奏。然后是“命运的敲门声”，三个音符为一组，清脆短促。14-16小节华彩乐曲一气呵成，行云流水。
左手在旋律上行时的跑动，在弹奏的时候也要拖住音量，手指与琴键的接触面积要尽可能大，力道下沉，逐渐增加，最后的突然减弱要给人一种戛然而止的感觉，与之前弹奏的强劲和弦形成鲜明的对比。
从25小节开始，左手进入属持续，整体的音响不能太过嘈杂，左手的轮指要保持均匀清晰，每一个音都不能拖长，也不能吃音。
当右手的和弦出现时，要留意“sfp”，每个音符的时值长度必须清晰，不能任意延长或缩短。
在第28,29小节中出现的带连线的双音节要用手指把连线做得非常清晰，后两个双音节要做得非常清晰，不会显得笨重。
副部分从35小节至40小节，这六个小节中，左手半分解和弦的伴奏音效要做弱，在演奏的过程中，左手要放松，右手八度的旋律要“沉”下来，要有连贯性，要有强烈的旋律感，要有时值的长短，要有清晰的呼吸。
结尾部分是51小节，这是一首充满激情和扣人心弦的乐曲。左右手的演奏要更加平衡，在触键的时候要贴键弹奏，不能太过突兀，右手的第1、4、5、6、7、10、11、12拍的旋律声部要多一些。
从第53小节开始，左方的低音变得更厚重，更有力，更有激情，更贴近主题。到了最后，力量渐渐减弱，展示部分也就到了这里。
展开部份的引出部分，由65至78小节，大调的运用赋予引出部分全新的音乐色彩，给人一种温暖温馨的感觉。
从第78小节开始，出现了新的音乐材料，音乐色彩也发生了变化，与左右手交替出现的旋律相呼应。此时，耳朵起到了关键的作用，它必须随时都能听到每一句旋律。
重放部分的主体部分是135小节，主体部分再一次以八度旋律出现，相较于表现部，这一次更加沉稳，八度的触键需要将每个音符都弹完，声音“沉”下去。
按键的时候，与其说是“砸”，不如说是“内力的推”。结束语开始于203至262小节。整个终章规模宏大，将“热情”的表现逐步推向了顶点，表现出了乐曲激昂的风格特征。
从第239小节开始加快速度，左手半分解和弦的难度大大增加，所以在弹奏这部分的时候，要有耐心，要慢练，在练习的过程中，要逐步增强小拇指的独立性，在弹奏的时候，要均匀，不能漏音，要尽量连起来，左右手声音要保持平衡。
（二）踏板《热情奏鸣曲》从表示部开始，因为音量比较小，也不能太满，所以从头到尾都不用踩太多的踏板，而是要用手的控制力，让每个音符都连贯起来，这样才能表现出音乐材料的流畅和连贯，手指要在长音处给踏板。
在第三和第四小节中，在变换踏板的时候，可以用左手变换和弦，在第五小节第一个音符的末尾，踏板要稍微放松，并随着音符的末尾而结束。
第12，13小节“命运的敲门声”的动音出现时，踏板必须在两个音阶之间有一个清晰的切换。连接部16小节开始后，左右手的交替要让音色浑厚，与此同时，第18小节第一个长音的弹奏，应该比之前左右手交替和弦音色更加浑厚。
从24小节开始，在左手的两个音符和轮指之间，你可以稍稍地踏出一步，但是不要踩得太多。从第35小节开始，这时要按照左手的和声，踩换踏板，并听到右手的音调清脆而连贯。
46个小节的踏板被压下后，在50个小节之前，从完全压下踏板到四分之一，四分之三，四分之三，五分之四。在51小节结束时，脚踏不能拖沓，要随着和声的变化而更换脚踏，这样才能保持左右手音色的平衡。
从53小节开始，你需要听到左下角低音部分的每个音符和上边的旋律，这时你可以在长音的末尾更换踏板，在54小节第7拍踩踏之后，慢慢地在第10拍松开。
展开部从第78小节开始，以左手的旋律为依据，踩换踏板，从80小节开始，在每个五连音的第一个音处踩踏板，但要注意，踏板要踩完之后，在下一个五连音处换踏板，不能一直踩下去，不然会显得杂乱无章。
从104小节开始，每一个和弦后面都会出现一个停顿符，所以，当停顿符出现的时候，右踏板也会随之松开，而106小节后面的踏板，则会踩在每一个小节的第一拍上，随着和声的颜色变化，弹奏得更好。
与呈示部相比较，再现部的情感更强烈，音乐色彩更浓，八度的音响效果也更饱满，旋律线的连奏干净清晰，在踩踏板的时候，可以踩半踏板或者3/4踏板，如果完全踩下去，就会显得比较生硬。
从218个小节开始，左右各有一个十六分音符，可以按照乐谱上的记号，选择不同的节拍。最后，在结尾部分，两只手再次交替使用和弦，每六拍一次。
三连音需要在第二个音符出现的时候更换踏板，所以在踩踏板的时候，要根据音符的特点和强弱来调整踏板，以突出不同的感情色彩。
（三）音色贝多芬对音色的要求很高，尤其是奏鸣曲，和古典主义时期的莫扎特相比，他对音色的要求很高。莫扎特喜欢天真无邪的声音，而贝多芬则喜欢用更大的声音来处理声音。
《热情奏鸣曲》的音色是不断变化的，每一个乐师都有自己的风格。
在实际的演奏过程中，不同的演奏者内心的情绪会对作品的旋律、曲式和和声产生很大的影响。每一首乐曲的出现，就像是一支巨大的交响乐团，由小提琴，大提琴，长号，大鼓等等组成。
贝多芬的大多数钢琴作品都是直接将力量场标记在谱面上的，力量场的控制和音色的处理是紧密联系在一起的，它们相互补充，相互促进，演奏者在力量场标记的指导下，对乐曲进行整体的诠释。
力度符号能表现出作品情绪的变化，有时是安逸宁静，有时是狂风暴雨前的狂暴等等，这些都会对音色产生很大的影响。同时，演奏者要做到心中有节拍，胸有成竹地演奏这首作品，使整首乐曲的节奏稳定又扣人心弦。
这是一首继承古典主义风格，又是对浪漫主义风格的继承和创新，又是一种对古典风格的继承与大胆创新，同时又有一种对音区的强烈反差。
这样一首具有戏剧性，故事性，冲突性的作品，需要演奏者去思考如何更好地处理演奏技巧，如何将触键技巧，踏板的运用，音色的处理，浑然天成的融合，让自己和听众都沉浸在音乐中。
歌德在一封信中写道，当他第一次在特普里茨见到贝多芬时，他对贝多芬的印象是：“我从未见过如此精力充沛、质朴而又诚挚的艺术家。”
《热情奏鸣曲》并非只有贝多芬一首，32首钢琴奏鸣曲是贝多芬与命运抗争的生命历程。
我们立足于“弹奏”和“思索”两个方面，对贝多芬《热情奏鸣曲》这首钢琴曲作了一次初步的研究。
可以说通过对贝多芬生平的介绍，了解贝多芬《热情奏鸣曲》的创作背景，有助于我们更好地了解该作品的演奏特点。
另外通过对《热情奏鸣曲》曲式结构的学习和分析，建立起较为完整的理论框架；
而且对《热情奏鸣曲》中的弹奏技巧（对触键的处理，对踏板的运用，对音色的处理）进行了分析，通过平时的学习，解决作品中的重点和难点问题，这对以后提高处理重难点的能力有很大的帮助。
参考文献：[1]周薇．西方钢琴艺术史[M]．上海：上海音乐出版社，2003.
[2]胡耀华．贝多芬《“热情”奏鸣曲》创作特点及演奏分析[D]．桂林：广西师范大学，2019.
[3]宁静．浅析贝多芬《“热情”奏鸣曲》第一乐章[J]．艺术评鉴，2022（5）：74-77
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