这只是我自学摄影的学习笔记，希望能有高手指点迷津。
在学习摄影前，总想着把看到的美景全部纳入到镜头内，尽最大可能客观真实而全面地反映到照片中，而对一些摄影作品断章取义、任意裁剪实景的行为嗤之以鼻。后来别人告诉我，摄影是减法的艺术，而绘画是加法的艺术，如果照片真实记录环境影像，而不加控制，可能会杂乱无章、没有主题。我似懂非懂，直至近日学习了以下课程，原来的思想才算产生了动摇。
前人摸索出的艺术理论和经验总结，当然要学习和尊重，只是看不惯一些人出于某些目的，把小溪拍成河流、十几朵花拍成花海、小水潭拍成湖泊的现象，这已经不是艺术的问题了，是骗子，是套路，是不诚信不道德的作为。所以我认为，真实再现当时场景、一张照片包含多样内容，只要准确地把信息传递给读者，作者就算完美完成了任务，其它一切就交给读者去评判吧。
下面就说些专业摄影人的理论，人家说得也很有道理，主流的东西还是要认真学习的。
摄影构图，就是把人、景、物安排在画面当中，以获得最佳布局的方法。到底应该怎么安排呢？这里有必要先说一下主体和陪体。
主体是画面中表现主题思想的主要对象，是画面的趣味中心和视觉中心。看到一副摄影作品，我们要明白作者想要传递的信息，读出画面背后的灵魂。
在一张画面中，一般只有一个主体， 多数情况下也比较容辨别，从位置、用光、实虚等方面可以初步判断，再一个，通过作品的名字也比较容易找到主题思想，因为作者的命名，就是整幅作品的点睛之笔，是从作品中提炼出来的精华，也是画面的灵魂，是用来帮助观众正确理解画面的。
与主体相对应的就是陪体，它是和主体有情节联系的次要表现对象。一般有以下几种作用：陪衬主体、均衡画面、推动情节发展、对主体进行解释或补充说明。如果陪体和主体没有联系，或没有以上的作用，就可以删除不用，否则就是画蛇添足。
就象舞台表演，摄像机镜头就对准C位，把主体表现清楚就行，其它陪体演员，就不会关注太多，而一些无关的人、物，一般就不会进入镜头。
主体的安排，有八种常见的经典用法。分别是中心点式、九宫格式、水平线式、垂直线式、斜线式、曲线式、放射线式、三角形式。
构图方法，不仅是这么几种，还有很多，也不是不能突破，但对于初学者来说，还是遵守为好，便于训练和提高，一旦你能成为名人大家，有了足够影响力，那时的突破就没人批评指责了，而是叫“引领潮流、发展创新”，所以说，只有业内顶尖高手，才有资格不遵守规则，一般人，还是老老实实地学习吧，能学懂学通也就不错了。
中心点式构图，就是把主体放在中心点。
九宫格式构图，就是把主体放在四个点的任意一个位置。同时还要注意主体的方向性，特别是运动的人或物，不要面对画面的边线，那样会给人一种紧张感和压迫感。
水平线式构图中，水平线一般指天际线、地平线、水际线、路、桥等。比如拍蓝天草地的美景，想表现蓝天白云，可以把水平线放在下三分之一处，如果想表现草地上奔马羊群，可以把水平线放在上三分之一处。只是要注意，端平相机，做到横平竖直，不能让水平线及景物倾斜。
在拍摄公路、大桥、街道等线性很强的题材时，可以采用这几种构图方法，增加画面的延伸感和空间感。山坡适合斜线式或对角线式构图，婉转的山路适合曲线构图，雨伞适合放射线构图 ，有些山脉适合三角形构图。
具体采用哪种构图方式，关键要看物体的线条走向，做到点、线、面的相互结合和协调。所以，平常还须培养我们的摄影眼，提高审美水平，增加知识积累。摄影技术，只是记录美景的手段，而摄影艺术，则是培养我们发现美的眼睛。另外，只有见多识广，才能做到胸有成竹。
下面再说一下前景和背景的处理和应用。
前景，也就是主体前面，或者说是主体到镜头之间的景物。为了照片能达到某种效果，我们需要增加前景。前景，首先要和主体有关联，并且具有“补充说明、渲染气氛；加强透视、突出主题；均衡、装饰画面”的作用，如果单纯为了加而加，而没有实在意义，无异于无病呻吟。
需要注意的一点是，前景不能和主体叠在一起或混在一起，色彩或光线亮暗也要有区别和对比，否则层次感表达不出来，更不能遮挡主体，并且还要有助于主体的表达。
前景，有时会与构图产生冲突，此时可以前后左右、远近高低变换角度或移动机位，要学会灵活处理。
说明式前景，对主体起补充说明的作用。比如拍大海，加个椰树前景，可能是在海南；加个异域风情的建筑，可能在国外；拍人像时，加一枝桃花前景，就知道了拍摄的时间。
要增加画面的纵深感和立体感，可以使用引导式前景。栈道、小桥、道路、山坡等，都有明显的线条走向，这样就可以引导观众的视线由近及远，突出主题，还能增加透视感。引导线如果接近画面的四个角，要比在“中部”插入的引导效果要好，也更符合人们的审美习惯。线条在中间插入，会给人一种“断头”的感觉，如果放在四个角，则会有无限延伸的想象空间。
在主题前面加一个门框、窗框，或其它建筑物的框架，将被摄体框起来，把观众的视线约束到框内的主体，就叫做框架式前景，也可以说是框架式构图。如果前景加的过大，不但会影响主题的表达，也会影响画面的美感。
还有种朦胧且具有诗意的拍摄手法，就是把主体周围的景物虚化成半透明状态。这与大景深的清晰照，是两种完全不同的意境和风格。拍摄方法就是小景深、长焦距、大光圈，拍摄距离在不影响对焦的前提下尽大可能拉近，距离越近，虚化效果越好。也可以拿些花草树叶遮挡在镜头前面，不仅能虚化，还能遮挡一下不太理想的拍摄环境。这种主题周边半透明的状态，更具有柔和之美和仙气，也是构图的一种高度。但如果虚化不好就会形成大片色块，看上去就会比较生硬。
前景可有可无，背景却是躲不开的。一般情况下，我们是尽量压缩背景的空间，来增加前景。
背景的作用和前景一样，都是为了突出主题，为主题服务的，如果背景起不到一些有益的作用，就可以变换角度或调整机位躲避开或用主体遮挡，实在不行就虚化掉。
为了让背景突出主题，可以从色彩、明暗亮度或线条形状上形成较大的对比和反差，把明亮的主体叠在阴暗的背景上，把深色的主体叠在浅色的背景上，就能够突出主题了。如果两者的颜色和光线相近，就容易融为一体，不但失去了层次感，纵深感，还容易造成视觉错觉。比如：人站在塔前合影，弄不好，塔尖就长到人的头上去了；人站在山前拍照，天际线就卡在脖子上了，很是难看。
适当的留白，也能创造画面的意境，给读者留下想象的空间，这在古代水墨画中表现得尤为明显。一山一树一鸟，大面积的留白，让人意犹未尽。
实际上，学会了拍摄构图，无形中也提高了你对古画的鉴赏水平，真的是相通的。拍照，是在相机取景器中摘掉与主题无关的景物，而绘画是在空白的材料上去增添内容，构图和构思的道理一样，都是为了主题突出，精简画面。只是，绘画的难度明显更高，类似于“花钱容易挣钱难”的道理。
对背景的处理，首先是抓住背景特点，对主体进行补充说明，交待主体所处的环境，然后是求简洁，不能拖泥带水，分散读者的注意力，还要与主体形成对比关系，来突出主题。
对比关系，主要是指主题与陪体或背景的对比，如：大小、虚实、疏密、繁简、远近、轻重、枯荣、动静、新旧、冷暖、古今、明暗、色彩、热闹与冷清、保守与开放，贫穷与富有，高矮与胖瘦，柔与钢等，来增加画面的视觉冲击力，正所谓：没有对比就没有伤害。在许多影视作品中，为了突出表现主人公的“善“，常用另一个人的”恶“来对比展开；为了表现一个人的”勇敢“，常用另一些人的”懦弱“来对比。
总之，无论采用哪种构图方式，无论如何处理前景、背景，都要做到画面的均衡，正确处理好主体与陪体之间的关系，使画面取得总体布局上的稳定，达到视觉上的心理平衡，不能给人一种“一头轻、一头重”的感觉，并力求简洁，给人一种美的享受。
丰富复杂的景物在同一个画面中，要做到统一而不矛盾、分散而又相互联系、均衡而又协调，一切都围绕在主题周围，为主体服务。如果一个男人上身穿着西装、下身牛仔裤、脚蹬旅游鞋在公园拍照，就会很难看，虽然真实，但作为艺术作品来说，就算是失败的，如果一个乞丐蓬头垢面、这身破烂装扮，则会起到突出主题的作用，有些事，还真不好说。
简单总结一下，在拿出相机准备拍摄之前，脑海中要先有构图意识，想拍什么？想表达什么主题？线条走向和纵深等元素怎么安排？如何取舍？在哪个位置取什么角度等。再一个就是学会变换角度，平拍是绝大多数人的默认方式，常常表现得平淡无奇，可以深蹲或趴在地上尝试一下，也可以换个位置寻找合适的前景或背景。我一般是远近高低多拍摄几张，回家再选，这种方式有些费电，续航能力不强的相机就要慎重些。
老生常谈一下《饥饿的苏丹》，也许对摄影会有更深的理解。摄影师凯文.卡特，发表在《纽约时报》上，凭此作品获得94年普利策新闻特写摄影奖。画面的大意就是，即将饿死的苏丹女童跪倒在地，秃鹫在不远处等待猎食。作品引起了国际社会对苏丹内乱和饥荒的关注，也有不少人谴责卡特的残忍，没有去救助这个女孩，不久，作者自杀。
这张照片采用九宫格式构图，女童和秃鹫位于左上、右下两个点上，空旷荒芜的环境显示了大地的干旱，也让主体更加突出，飞禽的强势与瘦弱的孩子形成强烈对比，给人以视觉冲击力，深化了主题。
作品从艺术的方面讲，技术含量并不高，但从新闻摄影角度看，包含的信息和表达的主题，无疑是非常成功的。实际上，在拍摄现场，女孩的母亲就在不远处领救济粮，卡特用减法只截取了这一小部分画面来表现主题，没想到遭来无数攻击。
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