华语乐坛洗脑神曲又双叒叕更新了。
《你要结婚了》凭借近10亿的单曲播放量开启了属于自己的时代。
里面的歌词“你要结婚了，新郎不是我”更是撑起了BGM半边江山。
你要结婚了音乐：曹万江 - 你要结婚了
现在的音乐到底怎么了？
最近的乐坛有点奇怪。
乍一看榜单上的歌曲和歌手名字一头雾水，但是一听副歌就会发现几乎每首都听过，有的甚至还会唱。
从歌词来看，要么是曹万江这种土到爆炸。
要么是《浪子闲话》这种根本看不懂。
虽然每个字都认得但连起来就是不知道它想说什么。
最要命的是旋律。
是新歌不假，但全都透着一股子年久发霉的味道。
这些歌要么是照搬套路。
热门歌曲的副歌和声不是 4536 就是 6415 ，要么就是卡农进行。
最直观的感受就是听完上句就能哼出下句，刚高潮就猜到了结尾。
有些甚至还存在化用、拼接以往歌曲的嫌疑。
要么就是几乎抛弃旋律。
比如《卡路里》，整首歌几乎都是靠一条节奏贯穿。
副歌更是毫无变化。
欧美也是如此，缺少旋律是一个大趋势。
就拿流行乐来说。
Lady Gaga 的《Poker Face》只有1个音。
Lady Gaga - Poker Face音频：00:0000:08
One Direction 的《What Makes You Beautiful》的副歌部分只有3个音。
What Makes You Beautiful音频：00:0000:05
霉霉的《Look What You Make Me Do》的主歌只有3个音。
Taylor Swift - Look What You Made Me Do主歌音频：00:0000:04
主歌到副歌的过渡部分只有2个音。
Taylor Swift - Look What You Made Me Do过渡音频：00:0000:07
到了副歌直接就没有音了。
Taylor Swift - Look What You Made Me Do副歌音频：00:0000:03
Taylor Swift - Look What You Made Me Do完整版音频：00:0003:31
Billie 的《Bad Guy》就更不用说了，整首歌几乎都是节奏。
bad guy音乐：Billie Eilish - WHEN WE ALL FALL ASLEEP, WHERE DO WE GO?
这些都是榜一热曲，但它们都缺少有趣的旋律。
不是说这些歌不好，但你至少无法用旋律感强来形容它们，就算有旋律，也没有把旋律用作强有力的表达工具。
你可能会说，这首歌的风格就是如此，本身就不应该有旋律。
但这正是我想提出的问题——
旋律过时了吗？
其实流行音乐并不总是缺少旋律，但某个时间点，流行乐发现了 Hook 的强大，以及重复 hook 的洗脑性。
Wonderful Tonight音乐：Babyface - Playlist
Hook 本意是钩子，在音乐中指的是一首歌特别能勾住人的地方，一听到就让人特别洗脑，能够一下达到爽点。
写一首好歌是非常耗时间的，但是 hook 不一样，它的投入产出比极高。
它不讲究这首歌作为一个音乐作品有多好，而是只要有一个能抓住注意力的 hook，就是一首成功的曲子。
尤其是在今天，时间被压缩，短小的 hook 比长的 chorus 更灵活，更利于病毒传播。
举个例子，《Seven Nation Army》。
Seven Nation Army音乐：Ameritz - Karaoke - Karaoke - The White Stripes
这首歌就是一个简单的吉他 hook，用一个效果器让吉他的音域变得很低，听起来像贝斯。
本来这是乐队 The White Stripes 的歌，但因为这个hook，它就火了，变成球场chant。
拜仁球迷应该都懂。
球场chant音频：00:0000:11
所以现在的创作者都是按照这个标准去创作。
像《爱情买卖》《你牛什么牛》，它们一定是四四拍，不会使用切分音、三连音这种节奏难度相对较高的律动来处理音符，基本全程都是四分音符、两个八分音符这样的组合，连十六分音符都极少涉及，且大多在第一拍进入。
这两首歌的核心动机都是1、3、6这三个6级小调音组成
《小苹果》就更简单了，仅靠四分音符 八分音符便完成了整首歌，而且每个段落都是正拍进入：
而且旋律使用1-3个音很容易让人跟唱，这就能引发全民效应。
流行歌是需要大众性的，去旋律化的乐句可以很轻松达到这个目标。
就拿《最炫民族风》来说。
最低音（蓝色）和最高音（红色）之间，是11度。音程变化除了个别几处用到三度以上的变化（黄色），主要以二、三度的小跨度常规变化为主：
这些都是为传唱服务的。
因为对于没有声乐基础的人来说，舒适音域大概是10-13度左右。
所以如果要设计一首全民传唱的爆款神曲，音域跨度就不能超过这个范围，否则可能就会有高音唱不上去、低音低不下来的尴尬，阻碍传播。
而且音程也要尽量单一，不能按级进 跳进那么设计，想想看，一句二、三度小范围变化的旋律，突然来个五度大跳，一般人会很难适应。
而且目前的音乐趋势也是节奏取代旋律成为核心。
音乐的组成元素包括旋律、节奏、和声。
虽然从理论上看旋律的组合是无限的，但好听的旋律组合却是有限的。
比如 4 这个音，就很难用在开头，有的话大部分也是下行接 3，这是由这个音的性质决定的。
至于#1、3♭、#4、#5、7♭这几个音，基本不可能拿来开头。因为就不好听，很难展开去写旋律。
可能在爵士里我们会追求不和谐感，但对于流行音乐来说，顺耳度是很重要的，经过这么多年的发展，很多好的旋律已经被前人写完了，后人再想创作出经典的旋律是很困难的。
这就是为什么我们总能听到一些很像的旋律。
在这种情况下，音乐人就转向了节奏。
因为相比于和弦和旋律，节奏更能彰显个人风格。
就像五条人，他们喜欢用密集的节奏，以及短促的切分、延音、连音等等，让旋律产生一种似说似唱的感觉。
对比一下伍佰版和五条人版的《Last Dance》，就会非常明显。
Last Dance音乐：伍佰 & China Blue - 爱情的尽头
伍佰的原版，都是节奏均匀的八分音符，很平稳：
而五条人版的，将节奏切分成十六分音符，更有舞的律动感：
一首歌的空间是有限的，如果中心让步给了节奏，旋律自然就少了。
尤其是像 Billie 这种，本身的节拍就是不规则的，这时候如果主旋律写的特别复杂，就很容易跟节奏打架。
并不是说去旋律化不好，每个时代都有自己的风向标，只是在这个只靠 hook 和 beat 的时代，我们的音乐越来越单一。
而且我们会越来越不在乎歌手是谁。
虽然听众才是歌曲好坏的评审官，但是对于音乐公司来说，这种方式是有风险的。
因为把一个歌手从幕后推到舞台上的花费已经高出天际，靠听众决定歌手的好坏，就像是赌博，他们可能会血本无归。
与其找一个有才华的歌手，还不如找张年轻漂亮的脸，然后通过曝光效应像洗脑一样的强迫观众喜欢他们，这样才能降低财务上的风险。
⌈曝光效应⌋ 指的是人们会喜欢上经常看到或者听到的东西。
所以相比于演唱，你会看到他们更频繁地出现在影视剧和各种综艺上，娱乐公司花了大笔的钱，确保这些人出现在每一个地方，你根本没有办法逃离魔掌。
音乐制作方式的转变也加速了歌红人不红的现象。
这一点在偶像歌手身上最为明显，尤其是韩国，他们的作曲策略就是群体作战。
制作公司不会花钱买 beat，他们直接把看上的 beatmaker“加进群聊”，一起组成制作 camp。
2NE1和Will.I.AM
Wiil.I.Am是黑眼豆豆创始人，手握7座格莱美
就像少女时代的《I Got A Boy》，光是词曲栏就有36个名字，制作人栏也有15个，而且这些人的国籍几乎覆盖了半个地球。
少女时代 - I Got a Boy音频：00:0004:33
这种合作模式是将所有音乐人的想法都融合在一起，每一个人专注于自己擅长的那部分。
所以你会在一首歌里听到很多音乐元素，这是非常新奇的体验。
比如《I Got A Boy》就包含Hip-hop，Pop Rock，EDM，Bubblegum Pop和现代R&B五种风格。
《I Got A Boy》中五种不同的风格音频：00:0000:10
不仅在billboard美国区拿下冠军，还连番被时代杂志和滚石杂志安排了封面，甚至还被B榜官网评选为“定义了十年的歌曲”。
在这种情况下，制作公司当然不会在乎歌手是谁，因为这首歌一定会火。
至于演绎者，谁都无所谓，反正公司肯定能赚到钱。
在今天，音乐的功能也变了，它是 BGM 而非独立的作品。
很多时候音乐是作为影视剧和游戏的配乐出现的，是那些更综合的艺术形式中的一环，也就是说它越来越需要一个场景。
这个变化不仅会影响创作，也会改变歌曲生产的方式。
因为适用场景越百搭的歌才越容易火，而这种歌一般都比较口水。
歌曲分发方式的改变也让好歌更难被人们找到了。
过去的发歌成本很高，从词曲创作到前期宣传、渠道分发，每一步都花费不菲，听众也是真金白银地买唱片，而且都是线下渠道，成本更高。
高成本的支持自然会期待高质量的回报，这本身就是一种监督和制约。
但现在各种技术的出现让出歌成本变低了，每个人都能做歌，还可以免费发布在任何平台。
这些歌也不用收费，听众的支持成本很低，所以歌曲的质量不用太高，旋律也不需要多复杂，只要还可以，就能火。
就算难听也不会被骂的很惨，直接退出就行。
久而久之，创作和听众就陷入了死循环。
于是，手机里的音乐还是那些老歌，听了一遍又一遍，然后翘首以盼地等待十年前的老将们发歌。
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