前言：
互联网时代，资源和资讯泛滥，每天我们被这些资讯侵袭着，主动或者被动接受着来自手机端，电脑网页端的信息骚扰着，习惯成自然，大家逐渐接受被骚扰的过程，并享受被骚扰的过程，寄托这些信息资源给能给自己带来职业生涯的“高潮”。
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剪辑师的大脑跟其他人有什么分别？
剪辑（又称剪接）是在电影、录像带、电视节目等，对视讯、音讯做剪辑编辑的工作。储存媒体有光学底片、磁性的录影机等。
两个镜头之间剪辑，有以下几种手法：
- 跳接／切（Take／Cut）
- 立即由前一个镜头切换至后一个镜头。
- 淡入、淡出（Fade In／Fade Out）
- 屏幕由黑暗逐渐变亮而成为图像叫淡入，反之，由亮变暗叫淡出。在1至2秒间完成的，可以叫快入或快出，3至5秒以上才完成的称为慢入或慢出。这两种效果常用于故事或段落的开头与结束。
- 溶接（Dissolve）
- 前一个镜头淡出，后一个镜头同时淡入重叠其上，称为溶。同样分快、慢。1至2秒的“快溶”通常指两者是同时进行或平行发展的事件；3至5秒的慢溶则表示时间或空间的变化。
- 划（Wipe）
- “划”是指前景被揩拭或划过，而逐渐被后景占满的手法。两个画面之间可能有一条清晰的分界线、也可能是务和的混和线，透过扩大、缩小、旋转、扭曲或者摆动等等方式运动，运动的方向垂直、水平或呈现对角皆可。划表达的意思与溶接类似，通常要根据剧情风格的不同，选用其中一种手法。
延伸阅读
金奖剪接师陈博文：「好的剪接师，要对音乐有敏锐感！」
要做出一盘色香味俱全的料理，不仅仅是把食物丢到锅子炒这麽简单，食材的选用、切得平不平均、入锅的顺序、调味的比例、烹调的时间…每个细节都会决定这道菜好吃的程度。其实剪接也是一样的，要如何重新拼接故事线，将数百小时的素材剪成一部叙事流畅的作品，考验的不是技术，而是剪接师的功力。甚至，剪接可以救一部片这个说法，也绝不是玩笑话。
有杨德昌御用剪接师之称，曾获得金马奖最佳台湾电影工作者的陈博文，剪过的电影已超过 150 部以上了，包括大家最耳熟能详的经典，像是《牯岭街少年杀人事件》、《一一》、《独立时代》等片。对他来说，一个顶尖的剪接师必须具备跟导演一样的电影感，以及解决问题的能力，即使拿到的素材有问题，也必须能够透过重新组合镜位、调整戏剧结构等不同的作法来活化素材。
其中，音乐和声音的空间拿捏、节奏感的掌握也是剪接的一大课题。配乐掌握了影像氛围和情绪，而音效则是完整了全片的声音场景，让观众更融入影像。那麽，剪接师在中间又扮演什麽角色呢？只要把片子剪完直接传给配乐、录音室就可以了吗？来看看资深剪接师陈博文怎麽说。
从剪接师角度，去思考声音与影像的关联
配乐的功用是为了掌握影像的气氛，什麽时候提起情绪，绝非不是纯粹的「背景音乐」。声音的大小声、频率、主旋律从哪个点出来才能提起情绪、在哪个音乐点上升字幕，音乐还是有其目的在。
陈博文告诉我们，如何掌握情绪跟音乐的关係很重要，如果剪接师没有音乐的修养，可能在剪接时就丧失音乐的条件，作曲家会很难下音乐，所以绝不是剪完把影片给作曲家发挥就好。在剪接的过程中，哪些段落、哪些情绪要预留空间给配乐跟音效，都是要先思考的。
「导演拍一镜头长五分钟，你可以用两秒钟、五秒钟、十秒钟、一分钟、两分钟、三分钟都有可能，你凭什麽样的感觉去取决长短？如果用两秒，可能可以让人家看到这东西。用十秒，可以看清楚一点到底是什麽状态，但还是没有包括气氛和情绪在裡面。如果你觉得这镜头应该加一点环境声音，譬如风吹、车流声，也许镜头用个十秒钟、二十秒钟观众看了觉得满舒服的，而且有些感觉。当你放个四十秒钟，用那些环境声音去处理的时候，可能有时候就撑不住了。如果你觉得这边是需要有音乐的，可能就会把镜头长度拉长，这时候在剪接阶段就要做调整。 」
尤其是纪录片，因为纪录片有许多访问跟对话，对观众来说，如果全片都不断在塞资讯给你而没有留白，一定会疲乏。所以适度的留白除了能够让观众稍稍喘息、呼吸外，有时候也能延续影像的情绪。至于要设计哪些留白的空间，这就是剪接师的专业了。
因为如此，即使影片段落没有音乐，整体镜头的转接、镜头的长短，但整个影片的流动性和韵律感还是有的，如果剪接师本身有具备这样的修养，在剪接时就会很自然地流露出这样的特质，就会让整个的电影感很顺畅。
「好的剪接师，要对音乐有敏锐感！
从类比时代一路走来，陈博文认为传统的剪接因为是非同步录音，很难掌握到音乐元素，只能从嘴形、场记表去对照，但现在有同步录音，剪接起来会更精准，也因为限制更少，就能做更好的发挥。比如说一个敲打钟声的画面，因为钟本身就有时间的意涵，所以若要表达时间流逝，钟声就要让它停留比较久，所以在影像上，就会留了空间让声音去延续。一般他会先跟导演沟通，取得共识后，导演会再跟录音室沟通，做后续的声音处理。所以做剪接不只是让画面连贯，为了片子的完整性，一定要懂音乐、美术、摄影、编剧等，这样才能从不同的角度去思考剪接架构。
对剪接来说，有音乐修养很重要，在剪片时，潜意识就会有音乐节奏的感觉。掌握影像的音乐节奏对剪接师来说也是一道课题，尤其有一些影像本身就带着节奏，像是舞蹈、体操等等，即使画面拍得很顺畅，但如果节奏不对，配乐也很难处理。所以剪接师就必须照着音乐的节奏去剪，要去算拍子，让音乐跟画面符合。像是其中有个舞蹈练习片段，画面中的人唸着「1.2.3.4 5.6.7.8….」中间由于穿插了其他动作，打乱了整段的节奏，所以这部分必须透过剪接去调整。
最后是声音的连接性，陈博文认为这是剪接师在思考影像声音时，很重要的一环。使用声音来转场时，会比下一场影像要早进入画面，为了衔接下一个画面，可以将对白融合在声音中，来製造声音出场的时机。当两段场景要作串接时，为了要製造后者进场的机会，好好的运用手边素材来设计转折是很重要的。
如何把导演想法透过剪接传达出来
「我常跟我的学生讲，剪接师必备的条件甚至要超越导演，你如果没有比导演更好的能力，起码要跟导演同等能力，如果没具备这样的条件，你要怎麽帮导演？因为你要给导演提供好的意见。」
过去在拍摄现场待过的陈博文，对于电影的分镜、镜头的运用是很有概念的。「在剪接的时候，常常会有一些构想是导演没有想到的，我会建议导演补拍，花很短的时间、在很经济的状况下补几个镜头，让整个戏更加精采，我觉得这是优秀的剪接师要做到的。」甚至，他喜欢在拍摄前就参与剧本的讨论，他认为这样可以免掉将来对剧情结构做大幅度的调整，这样的讨论也有助于了解导演的想法，等拍摄完成后，剪接起来会更有方向性。
每个人生活经验不同，对声音的反应、领悟、解释不同，所以必须透过沟通去了解导演想要表达什麽感觉。像是在《雾鹿高八度》这部片中，王俊雄导演在拍摄现场录了布农族的八部合音，在拍摄阶段，导演被现场的声音震撼，所以把整段全部拍下来，时间很长。陈博文在拿到素材后，就询问导演：「这段想要表达什麽？这声音对你的感受是什麽？」导演告诉他「我觉得这好像是大自然的呼唤，从深山传出来的呼唤声，是很令人震撼的。」因为当时没提到要用这些影像去传递这声音的感觉，所以没特别拍好，所以陈博文就从导演的拍摄素材找画面放进去，营造导演要的感觉，其中画面有一隻老鹰在飞，这是摄影师在现场觉得很美随意拍下来的，只有 2 秒，无法传达这个声音的感觉，为了搭衬这个声音，所以画面就放慢四倍。
声音有很大的想像空间，从上面的例子来说，「布农族的八部合音」给人的感觉就各自迥异，有人觉得传统神秘、有人觉得像是死亡的召唤，在这种情况下，如果要传递导演的想法，一定要透过剪接把气氛营造出来。同样的声音，换了不同的画面，就完全有不同的感受，比如说画面从山林改成落叶、动物的尸体，或是乾裂的河床，这声音又是另一种想像，像是死亡的象徵。
顶尖剪接师的价值所在
「对剪接来说，没有做不到，只有你想不到，90％以上是做得到的。如果演员演不好、摄影师没拍好的地方、故事不好，都必须透过剪接去修改，所以能力不能比导演差，不然剪接技巧大家都一样，人家为什麽要找你？你要做到人家做不到的，你才能在这行业生存。」陈博文说。
不论是机器、演员表现不如预期，或是在拍摄时因各种意外所导致的瑕疵，将这些影像素材处理好是剪辑师必须面对的挑战。不管是重新组合镜位、调整戏剧结构，或做些特效，让电影的整体情绪、气氛能够充份展现，都是剪接师的专业价值所在。
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