美术学院的起源
《雅典学院》
“学院”（academy）一词源于古希腊哲学家柏拉图在雅典西北郊创建的Akademeia学园，后泛指各种学术研究性机构。在古典的意义上，“学院”意味着对知识与美德的自由寻求。至中世纪，学院传统一度中断。公元529年，查士丁尼一世（483-565）下令关闭学园，并镇压“邪教”和破坏偶像。
直至15世纪70年代前后，随着柏拉图主义在意大利复兴，学者菲奇诺主持柏拉图学园在佛罗伦萨恢复。在这一非正式的聚会中，参与者就哲学问题进行轻松愉快的对话与讨论。至16世纪，“academy”的名目更多了，涉及文学、戏剧、音乐、剑术、马术、舞蹈等，并逐渐扩展到自然科学。“美术学院”正是诞生于这一风尚之中，它既是一种艺术家的聚会，同时也具有某种教学功能。
从行会到美术学院
美术学院最初的主要功能是作为一种艺术家团体，提升或取代旧有的行会与公会的制度。作为凝聚艺术团体的新组织，推动美术学院得以成立的意志体现在艺术内部，是部分艺术家要求建立艺术作为一门自由艺术的资格，以及追求艺术家作为博学智识的知识分子的资质；体现在外部社会，是世俗权力要求艺术服务于国家意识形态，并首先为少数贵族与官员提供一种自由风雅的审美游戏。前者的意志呈现为艺术历史的书写、艺术理论的建立与探讨，艺术家地位的迁跃、艺术家报酬的提高等等，后者的意志则呈现为对艺术家的资金赞助与保护，将自身的利益与趣味借由艺术品的美学光晕加以巩固，贵族与官员阶层的业余艺术爱好者的增多，鉴赏批评的兴起等等。
从中世纪以来，所有艺术家均为工匠。根据制作的材料性质的不同，他们分别隶属于各个行会，如雕刻家因与石料打交道而属于制造商行会，而画家则属于医药商、作料商或杂货商行会。
在16世纪伊始的意大利，王公贵族对艺术的赞助首次延伸到艺术家对艺术事业和创作技巧的探讨。如在佛罗伦萨，洛伦佐·美第奇创办了“花园学校”——米开朗基罗青年时亦曾在此受教；在波隆那，班蒂沃格里奥曾在花园中举办艺术家和诗人招待会；在梵蒂冈，巴乔·班迪内利创办了在美第奇教皇克莱蒙特七世监管下运行的“艺术学院”（1531年）；在热那亚，安德里亚·多里亚也曾赞助过类似的艺术机构。
乔治·瓦萨里
1563年，欧洲第一所正式的官方艺术学院——绘画艺术学院[Accademia delle arti del disegno]（即今佛罗伦萨美术学院之前身）在意大利佛罗伦萨成立。该学院由科西莫·美第奇公爵（1567年封为托斯卡纳大公）赞助，并由其担任名誉院长与保护人，乔治·瓦萨里（GiorgioVasari）负责牵头、督办学院的实际建立。
学院的主要行政管理人员由大公任命，成员构成与级别划分则包括“院士”与普通会员——普通会员多为年轻或经验不太丰富的艺术家。无论学院内外，职业艺术家的社会地位仍然次于贵族出身的非专业艺术家，但艺术家之间的地位差异（如画家优于雕塑家或建筑师）已逐渐趋于平等。学院成立的目的是让艺术家直接隶属于开明的世俗君权，从而超越传统的行会。这种超越在“disegno”一词中得到体现，即以“创造”/“构思”（invention）赋予建筑师、画家、雕刻家群体以共同精神，使他们联合、团结在一起。得益于意大利理论家的理论建设，从事绘画、雕塑与建筑的艺术家也逐渐与从事机械艺术或手工艺的工匠区分开来，并获得了相对优越的社会身份。
从14世纪30年代开始，意大利有了由包括金匠和刺绣工艺师在内的行会中的画家发起的圣路加公会（Compagnia di S.Luca），但金匠和工艺师们在这个新组织中只占次要地位。其章程和特权于1478年12月17日由教皇西斯图斯四世（Pope Sixtus IV）更新，确认了学院是这两者的结合。至15世纪末，公会走向衰落。至1577年，圣路加学院（Accademia di San Luca）得到格里高利十三世的批准，阿尔贝蒂也曾在《论绘画的崇高性》（1585年）中呼吁成立这所学院，此后学院于1588年再次获得西斯图斯五世的重新批准，并最终在1593年，于罗马举行成立典礼，并由费德里戈·祖卡罗（Federico Zuccari，1540-1609）任首任院长。该学院即今罗马美术学院（Accademiadi belle arti di Roma）之前身。但直到17世纪，学院与行会的关系仍然模糊不清。至17世纪中期，在教皇的干涉下，学院才开始维护学院艺术家的利益，此时有业余人士加入学院，并获得“荣誉院士”称号，但规模远不及佛罗伦萨艺术学院。结果，罗马的艺术学院在艺术家和欣赏艺术的公众之间划分了一道学院派界限。作为艺术家团体组织，学院的基本目标是教学，并规定每个会员都要提交作品，首开官方学院垄断作品评审特权的先河。
随后，美术学院的发展重心开始自意大利转向法国。1648年2月1日，皇家绘画与雕塑学院（Académie royale depeinture et de sculpture）在巴黎成立。自罗马来到巴黎，并服务于摄政皇太后的画家勒布伦在此发挥了重要作用。波旁王朝之所以首肯美术学院，主要意在联合宫廷艺术家建立机构，反击由国会支持的行会对服务于王室的宫廷艺术家所做的限制，将“从事自由艺术创作的绅士”与从事体力劳动的工匠区分开来，并为法兰西国家确立起彰显王室权力的古典主义艺术典范。
在卢浮宫举行的皇家绘画与雕塑学院会议
在法国，行会与美术学院的斗争属于国会与王室斗争的一部分。在17世纪，法国仍未像意大利那样在理论上将艺术与手工艺或者工商贸易区分开，且在1671年成立建筑学院以前，建筑并未纳入美术学院的专业范畴。因此，效力于宫廷并享有特权的艺术家和受制于公会的艺术家之间的竞争与矛盾日益加深。皇家美术学院几乎是一种效力于王室的封闭画坊，国王掌控着王室委任的艺术创作的政策和要求，其成员被禁止经营传统的作坊，也被禁止举行代表行会活动的晚宴和相关社交活动。此外，自让-巴蒂斯特·科尔伯特（Jean- Baptiste Colbert，1619-1683）成为国王的总顾问，并成为学院的最高行政管理人后，君主专制政体对学院艺术的钳制愈加严格。1663年，政府命令所有宫廷特许画家都必须加入学院，否则便取消其特权。科尔伯特还将手下的行政官员任命为“荣誉成员”，这些成员负责写作、阅读和记录学院的讲义或会议，并将这些内容对外公开。此后，荣誉成员不断增加，如罗杰·德·皮莱（Roger de Piles，1635-1709）等。
1666年，法国皇家美术学院在罗马设立了分院，普桑被任命为院长。国家每年为赢得“罗马奖”的学生提供前往罗马深造的资金，学制为四年。由此，法国艺术家在罗马产生了重大影响。到1676年，在科尔伯特的监督下，圣路加学院并入法国皇家美术学院。
自从法兰西皇家绘画与雕塑学院成为艺术教育机构的原型，欧洲州国家纷纷成立艺学院。1697年，普鲁士成立柏林艺术学院（Akademie der Künste）;1705年，奥地利成立维也纳艺术学院（Akademie derbildenden künste Wien）;1752年，西班牙成立马德里费南多艺术学院（Academia de S.Fernando）;1755年，那普勒斯皇家艺术学院（Accademia di Belle Arti di Napoli）成立；1756年；威尼斯艺术学院（Accademia di Bellw Arti diVenezia）成立；1776年，米兰艺术学院（Accademia di Bellw Arti di Brera）成立。直到1790年，欧洲各地已经设立了100多家公立艺术学院。
美术学院的教学设置
瓦萨里的艺术理论思想的来源之一是15世纪40年代贝尼铁托·瓦尔奇关于认识论和艺术（尤其是绘画和雕塑）的相对重要性的公开讲座。作为绘画艺术学院[Accademia delle arti del disegno]的创始人之一，瓦萨里与雕塑家维茨诺·丹蒂曾撰写理论著作剖析亚里士多德所谓的“摹仿”概念。在佛罗伦萨的绘画艺术学院，摹仿意味着表现人对自然的观察，而不是表现人对现象世界的认识。为此，学院成立之初就制定了包括欧几里得几何学、透视法、解剖学、衣饰研究、天文和地理等课程，并在17世纪增添了人物素描。 数学学习为艺术家运用焦点透视法和明暗法提供了理论基础。而其他课程则根据当时的艺术评论对图形艺术的有关论述进行调整。这些论述认为艺术家可以通过了解身体的功能和各部位的比例关系，以姿势语言、面部表情、服装衣饰来表现人物的精神生命。
到17世纪，笛卡尔的思想和伽利略的实验方法，对艺术学院的实践产生了影响。
在罗马艺术学院与法国艺术学院合并之前，由于学院与中央集权式的宫廷之间保持着断断续续的联系，缺乏同教皇的纽带关系，梵蒂冈没有学院提供持续的赞助，也始终没有为学院制定统一的相关政策或指导学院的艺术创作。这种状况持续到18世纪克莱蒙特十一世教皇执政才改变。由于当时的艺术任务主要是修建恢宏壮丽的建筑，因而学院会员从17世纪中期就围绕着创作项目组织讲座和学生竞赛，这些竞赛还包括绘画和雕塑。学院内的教学内容主要是石膏像写生和人体素描。作为学院的核心课程，人体素描要求艺术家以数学为指导，能够分辨出所摹仿对象的基本结构，使完成的作品充满条理性和整一性。
法国皇家美术学院在组织结构和学术实践上效仿了前两所学院，在课程方面则开设了透视、几何、解剖和素描等课程，课程结构包括①临摹素描，②画石膏像，③真人写生。在低级班，学生必须临摹教授的课徒稿，在高级班，则进行人体素描写生。
美术学院的成果
18世纪的美术学院成果，可归纳为以下几点：1）促成了艺术家地位的提高；2）古典主义的审美理想和审美规范在学院中逐渐确立起来；3）艺术话语权也逐渐转移到教俗统治集团手中；4）从那时起直到19世纪，美术批评、美术理论、美术史与美术展览在美术学院的框架下展开，此外，业余性质的美术鉴定和古物研究也与美术学院发生了密切的联系。
美术学院与审美规范
学院体制一旦将某一“目的”主导下的最优审美“形式”确立为一种最高的“规范”，所谓学院派风格也就此生成了。经典作品成为学院内部教学与讨论的典范，描述这一形式的风格术语也具有了规范性的涵义。
在西方美术学院的历史中，古典理想最先被确立为“规范”，其具体艺术法则很容易以否定的形式被表达出来——并作为禁令代代叠加，这导致了以古典理想为目标的艺术家的创作空间不断收缩。为了规避前代确立起的种种禁忌，后代艺术家只能在不断紧缩的学院派古典规范下陈陈相因，这反而使“学院气”成为排除性原则下唯一需要规避的禁忌，在贡布里希看来，这种规避最终颠覆了古典理想——于是人们看到20世纪各种眼花缭乱的艺术运动和形式实验。可以说，学院艺术的僵化实为艺术发展的异化形态。
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