各位小伙伴大家好呀，听小菌哔哔叨，生活乐逍遥！
导读
近年来越来越多正版番剧被引入，国内各种动画相关的杂谈视频和文章也越来越多了。
但不知道你们有没有感觉有点奇怪，为什么那么多的杂谈，几乎都是新番吐槽，为什么这么多新番吐槽，讲的几乎都是渣制作的烂片，而那些真正优秀的好片子却鲜有人提及。
更奇怪的是，那些想深入聊聊好作品的杂谈，关注点也几乎都在剧情上，不是剧情的分析就是人物的解读。
明明我们看的是动“画”，却少有针对画面进行细致的探讨，就算偶尔提及，也是称赞句“画面精美！这光这水！”，一笔就带过了。
甚至有人说：我看动画就是看剧情，画面怎么样不重要。颇有种不被皮囊困扰直接看穿事物本质的大家风范。
但是，画面对于动画来说，远不止一副皮囊那么简单，动画作为一种影像媒介，画面是它的重要组成部分。
脱离它谈动画就好像“读小说不看字、坐飞机不买票、吃大麦虫幼虫不做脱粪处理”一样。
正是因为有那些富有感染力的画面，名为剧情的骨架才被赋予了血肉和生命力，在我们的记忆中被定格成为经典。
所以，今天我们就以京都动画的两部剧场版动画《声之形》和《莉兹与青鸟》为例，谈谈那些别具匠心的画面表现手法。
当然，没看过这两部片子也不要紧，因为表现手法是共通的，聪明的你一定能举一反三。
京阿尼式的局部特写
在实拍电影中，角色细腻的情感，可以借由演员面部表情的微小变化传达给观众。
但在动画中这却难以实现，因为动画角色很难像真人演员那样，拥有丰富细致的表情。
因此大多数动画，选择用夸张的肢体语言漫画式的符号，和情感充沛的配音来弥补这一点。
那么，京阿尼是怎么解决这个问题的呢？
腿部特写
京阿尼的腿可没有这么细
给腿特写？京阿尼里的腿可没这么细哦！
别想歪哦！京阿尼的监督山田尚子是这样说的。
“腿平时一直隐藏在桌子底下，所以它会流露出一个人的内心，再说，JK的大腿实在是太棒了！”
《莉兹与青鸟》就大量运用了腿部特写，来表现人物内心。
不论是独自等待时的百无聊赖和微微的焦躁，还是有了隔阂时，微微往后退的小动作，或者是互相吐露心声时，略带不安的脚部运动，都体现出京阿尼对腿的重视。
比起直白的台词，不如用肢体语言去讲述故事，这种京阿尼式的含蓄表达，也印证了达芬奇的那句话，“腿是心灵的窗户”，哈哈哈！
而对山田监督来说，腿不光要体现人物的情感，还要反应人物的特色，要让观众看腿就能认出它们的主人是谁，这种细致入微的腿部描写背后，其实是对人物内心的精准把控。
侧脸特写
除了腿部描写，《莉兹与青鸟》也大量运用了侧脸特写。
相比直截了当的正脸镜头，侧脸因为隐藏了一部分角色的表情和情感，反而更能调动观众的想象力，让观众自己去揣摩角色的想法。
甚至有些时候，京阿尼连侧脸镜头都不给直接让人变成无头状态。
这种手法，通俗的讲，“就是在观众要脸的时候不给脸”，这可不是骂人哦，意思就是观众就算不看角色的脸也能读出人物情感。
这种手法说到底，就是通过削减镜头的信息量，使观众被动接受信息变为主动解读信息，大大增加了观影的参与感。
用分镜表现角色间的隔阂
分镜类似于一部动画的大纲，负责分镜的人会根据剧本在脑海中构思动画要怎么拍。
包括如何构图，机位怎么摆，如何运镜，画面间如何衔接等等。
然后将这些想法画成分镜稿，原画师们再根据分镜稿来画原画，所以分镜对于一部动画来说至关重要。
京都动画的巧妙之处就在于，它让分镜本身也成为了叙事的一部分。
在这个看烟火的场景中，女主硝子已经下定了自杀的决心，而男主将也则毫不知情，没能察觉她内心的痛苦。
因此监督故意将两人用镜头分割开来，以此表现，他们虽然正坐在一起说话，内心却有看不见的鸿沟。
这个可不是我瞎说的哦，山田监督在访谈中亲口承认的。
再说，构图时一般不会让人物面向画面边缘，因为会给人压抑的感觉，这些明显违反构图规则的镜头，肯定是有意为之的。
在日本动画中，类似的，用分镜来表现心理隔阂的做法还有很多。
在《SSS.Gridman》中，光影形成的分界线，将孤零零的紫色鞋子和其他鞋子分隔开，暗示鞋子的主人是孤独的。
而这一幕，摄像机找到了一个绝佳的机位，用漆黑的扶手将紫发少女完全框住，以此来象征其内心的封闭。
在《终将成为你》中，则使用了以物理距离来表现心理距离的手法，当然，也有使用桥墩这样巨大的障碍物将两人之间隔阂具象化的表现手法。
一部优秀的动画，讲故事的绝对不仅仅是人物的台词，监督们不会错过任何能向观众传递信息的机会。
它可能是一个微小的动作，可能是光影的对比，也可能是一副微妙的构图。
这些细小琐碎的东西糅合在一起，才构成了一部耐人寻味的作品。
动画中的象征手法
相信各位上学时都做过语文阅读理解。
老师：接下来是阅读理解第三大题的第三小题，“我坐在床头看着蓝色的窗帘”，请问作者描写的窗帘为什么是蓝色的？
小明：因为……窗帘真的是蓝色的！
老师：错！
小明：因为作者喜欢蓝色！
老师：错！
小明：……
老师：错！
小明：……（口吐芬芳）！
要想真正看懂一部动画，理解其象征手法是关键的钥匙，我们以《声之形》为例，看看它用了哪些象征手法。
笔谈本
硝子有听力障碍，只能通过笔谈本和同学交流，但在受到持续的欺凌之后，她自暴自弃地将本子按入水中，放弃了交流，因此，笔谈本也象征着硝子的交流意愿。
多年后，男主将笔谈本还给硝子，其实也是帮助她找回了交流的意愿。
所以，笔谈本对于硝子来说意义非凡，当本子掉入河中时，她才会不惜跳桥也要捡起它。
迷宫
迷宫在动画中常被用来暗示事情发展到了死胡同，将也和硝子在游玩时来到错综复杂的迷宫，就是暗示两个人之间沟通不畅，此时的将也没能理解硝子的真正想法。
消失在人群
它往往被用来隐喻离别，硝子在自杀前向将也进行最后的道别时，监督便让她消失在人群中，来暗示这次分别可能是永别。
在《轻音》中也用到了相同的手法，来暗示唯等人将因毕业离梓喵而去。
波纹
当将也和硝子终于搭起了沟通的桥梁，相互获得救赎时，河中的鲤鱼荡起阵阵波纹。
众所周知，波纹是声音的形状，也就是《声之形》。
在点题的同时，也巧妙地表现出将也和硝子的心声终于传达给了对方，实在是高明至极。
写实的演出风格
不知道大家在看《声之形》的时候有没有发现这样一个细节，将也的衣服上的标签一直外翻着，你们想过为什么要这样画吗？
虽然在《日常》中放荡不羁，在《冰菓》中充满想象力，但如果要用两个字概括京都动画的风格，那还是“写实”。
纵观近几年京阿尼的作品，不难发现，他们逐渐抛弃了传统的动画表现方法，我们越来越难在京都动画中看到Q版的人物和漫画式的符号。
取而代之的是细腻的动作，和极具真实感的声音音效，这点在《莉兹与青鸟》中体现的尤为明显。
甚至在举手投足间，我们可以听到衣服的摩擦声。
然而，京都动画对于写实的追求远不止于此，在镜头运用上他们也力求模拟真实的摄像机。
实拍电影中，我们经常可以看到人物清晰、背景模糊的画面，这是因为有“景深”的存在。
“景深”是个什么东西？
我们知道相机对焦的地方被称为“焦点”，在焦点前后有一段能够清晰成像的范围，这个范围就是景深。
举个例子，当你给女朋友拍照时，如果焦点偏太远，她不在景深范围内，那她就会模糊，而你就会被揍得血肉模糊。
动画因为是画出来的，所以根本没有景深这个东西，背景和人物永远都处于清晰的状态，但在京阿尼的作品中，我们可以明显的感受到景深的存在。
当然，单纯对现实的模仿，显然满足不了京阿尼，他们对于景深有更为灵活的运用。
当莉兹与青鸟的吹奏达到高潮时，镜头的焦点频繁切换，有时甚至干脆完全失焦，画面时而清晰时而模糊。
一方面体现出演奏的魄力，另一方面将女二那种既希望把女主留在身边又希望她能自由翱翔的矛盾心理，很好的表现了出来。
而在《玉子爱情故事》中的运用则更是巧妙，男主告白时，稍微的晃动镜头和一瞬间的失焦，完美贴合那种青涩、紧张的心情。
从作画到演出，从声音到镜头运用，京都动画对于真实感的追求是全方位的。
那么，问题就来了，为什么京阿尼这么执着于写实？
空气感
动作、声音、光影，所有对真实的模拟交织在一起，加上慢节奏的镜头切换，形成了微妙的化学反应，让观众身临其境，甚至能感受到包裹着角色的空气。
这听上去有点抽象，但监督山田尚子十分重视这种空气感。
她说：“除了登场人物外，我还想描绘当时的空气，和包围着那个人物的世界的任何一个角落。”
为此，京都动画有时会使用长时间的固定机位，客观而忠实的记录着，这个世界发生的一切，让观众在帧与帧的流动间，感受其独有的静谧。
这种真实到仿佛是将生活中的片段截取出来的风格，可以追溯到日本早期的电影导演小津安二郎，而在是枝裕和的《小偷家族》中，我们可以明显的感受到这种风格的延续。
山田尚子则是将其实验性的运用到了动画中，在表现手法上模糊了动画和电影的界限，也奠定了京都动画近几年的风格。
写在最后
因为篇幅和个人水平有限，这里也只能讲些皮毛，远不及京阿尼魅力的十分之一，但如果能帮助更多人了解它，那就太好了。
京都动画真的不只是画面精美而已，如果将动画比作一场舞台剧，角色就是舞台上的演员，他们所处的环境就是舞台背景。
京都动画的魅力在于，它让舞台上本是背景的道具，也担负起了演员的责任，连同台上弥漫的空气，都被赋予了特殊的含义。
它们满溢出屏幕，温柔的将我们推向那些敞亮的小小世界。
也许京阿尼会离开一阵子，但在五年，或者十年之后，那些勤恳的动画人们会携着他们的梦想，再一次闯进我们的视野。
那时，古典部会拿起吉他，团长带着愉快的小伙伴们，满城寻找传说中的邪王真眼，在上低音号的演奏中，青鸟叼着幸福，降落在紫罗兰的永恒花园。
而我们要做的就是等待，然后说出那句。
“欢迎回来”
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