12演员思维:怎么样演好一个角色
导语
我们继续“开创”模块的思维模型课程。这节课我们要讨论的问题是：怎样演好一个角色？
你可能会觉得好奇，我们这周不是讨论体验管理吗？怎么讲到了演好一个角色呢？
我们先把这个问题放在一边。
我先请你回忆一下，你最喜欢的一部影视作品是什么？为什么？
我想，每个人都有各自不同的答案。但我确定的一个相同点是，这些影视作品一定为你创造了深刻的情绪共鸣。不管是里面的某一个场景，还是某一个演员，某一句台词，总有那么一刻触动了你。
你看，就像我们在阿那亚案例中提到的戏剧理论，影视作品的最高任务也是为观众创造体验，这个体验是情绪体验。
那影视作品是怎么创造观众的情绪体验的呢？
有一个很重要的载体，你应该想到了，是演员。一个好的演员，即使隔着屏幕，我们可能也会跟着他哭跟着他笑。
所以这节课，我们就来研究下，演员是怎么演好一个角色，为观众创造情绪体验的。
这节课，我们专门去请教了表演指导老师刘天池。她在中央戏剧学院的表演系，当了20年的专业课老师，邓超、白百合这一批你能想到的好演员，很多都是她的学生。刘天池还在很多的综艺节目当中担任表演指导，像《演员的诞生》《演员的品格》等等。在得到App，也有她的一门课《刘天池的表演课》。
这节课的导师就是刘天池老师，研究员是刘莎，由转述师徐惟杰为你转述。
好，我们开始。
明确角色的总目标
当一个演员接到一个角色的时候，他会做的第一件事是什么？背台词？不是。他会先根据剧本来分析、理解角色，找到这个角色的总目标是什么。总目标，就是角色外在的最高任务。
为什么要确认总目标呢？因为一个角色的总目标明确了，他下一步的行动方向、要点、路径和结果就都出来了。
总目标是一个相对好确认的东西。演员们通常只要仔细地读完剧本，就能得出结论。比方说，林黛玉，你要是读完《红楼梦》，很容易就能理解这个角色的总目标是，跟贾宝玉在一起。
有了这个目标，你就能理解，要演一个林黛玉，什么事儿该干。更重要的是，你能知道什么事儿不该干。比方说，如果我们说林黛玉这个角色的总目标是“跟贾宝玉结婚”，那她会不会像大管家一样，去插手贾府的年度预算？肯定不会。
不论你要扮演艺术角色还是社会角色，都应该有一个清晰的总目标。一个清晰的总目标，一定是简单、重要、直指人心的。
比方说，如果你是一个创业者，你的总目标应该是什么？你可能会有这么几种不同的目标：
第一，我要实现财务自由；
第二，我要得到权力，得到团队的拥戴；
第三，我踏实创业，成为行业老大。
好，请你把它们写下来，然后按重要程度排序。你把谁排在了第一个，那它就是你最想做、最重要的那件事，也就是你的总目标。
我们假设，你的选择是第三个，“我要成为行业老大”。我们来把它调整得更加简单明确：“踏实创业”是对自我的要求，不是目标，可以删掉。“成为行业老大”不够明确，还可以再精确一点，可以把它优化成“创造出一家估值千亿美元的公司”。
你看，对于一个创业者来说，这个目标简单、重要、直指人心，是一个好目标。这个总目标一旦明确，那你接下来挑选什么样的合作伙伴，要集中资源做什么事，要放弃什么，承担什么就全都是为了满足这个目标，这些动作就全都有了衡量标准。反过来，你该不该花大力气去做公益？我不建议你去，因为这对你实现总目标毫无帮助。
这是演好一个角色的第一步：明确角色的首要任务，也就是总目标。
明确自己的“欲望原型”
前面我们说了，总目标能用来评估和指导一个角色的所有行动，它相当于角色的外壳。而一个角色的灵魂是什么呢？在艺术作品里，一个角色的灵魂，来自它最深层的情感需求，专业术语叫“欲望原型”。
什么叫欲望原型？就是外部世界给你怎样的情感回应，你会感觉舒适和安全。
欲望原型，是一个角色所有行动和语言的内心原点。它跟总目标配合在一起，能像一个坐标系一样，准确地定义出角色最合理的行为和语言。
它们有什么不同呢？我来举个例子。比如一个演员在一场戏里，总目标是：保护腹中的胎儿。但与此同时，这个角色的欲望原型可能是“被认可”。那么，同时在“保护胎儿”和“被认可”两个坐标下去演绎这个角色，它才会更真实。
否则，如果只有一个参照系“保护胎儿”，那这个人就可以为这个任务杀人放火毫无顾虑，这个角色就没有张力和层次。
怎么理解一个角色的“欲望原型”呢？演员们主要做两件事：
第一步，精读剧本，分析剧本里所有关于角色的元素，来还原和理解角色。
比方说林黛玉，要理解林黛玉，你至少要问自己这些问题：
比方说，林黛玉是谁？是绛珠仙子、大家闺秀还是江湖儿女？在戏里是孙女，还是外孙女？是谁的外孙女？贾老太太的外孙女，和刘姥姥的外孙女，想干的事儿肯定是不一样的。
比方说，她从小在哪里长大？是江南水乡还是西北窑洞？听古典音乐长大，还是听叫卖声长大？生活在现代，还是古代？这些区别，决定了她肯定偏好小绿豆糕，而不是大烧饼。
再比方说，她生活的年代大环境怎么样？她的家庭条件怎么样？是普通水平还是富甲一方？这也决定了她追逐的东西。
当然，除了这些，她是怎么看待自己的，别人是怎么看待她的，她经历过哪些创伤性事件，她在个人和事业上有哪些成功与失败的历史，她有什么梦想，有什么独特的做事方式等等，都是需要研究的范畴。这个过程拆解的颗粒度越细，她的欲望原型就越清晰。
第二步，根据剧本给的线索，尽可能地搜集外部信息，来理解角色所处的处境。
比如了解角色所处年代的文化知识、绘画及音乐作品。你别觉得这些东西剧本里没有提及，就不重要。不是的，这些信息能帮助演员更深一步地理解过去、理解角色，同时为他们的想象力提供营养。
我们还拿林黛玉举例子。
如果你扮演的是14岁的林黛玉，你可不只是理解她的14岁就够了。你还要理解她10岁在干嘛，要理解她前14年的具体历史，才能明白她今天的性格是怎么形成的、今天的行为举止为什么是这样的。你自己可能以前每天吃炸酱面，但是要演林黛玉，你就应该要去研究林黛玉所在时代的书籍、影像、音乐、绘画。你要改吃小绿豆糕，开始听古琴、拿扇子、写毛笔字，开始改变自己的坐姿、站姿、说话的语气、语调，开始感同身受。
一个好演员，要抓住这些东西，往自己的生活经验、情感经验里套，去理解它，然后才能把自己跟角色融为一体。
对我们普通人来说，我们的任务是需要演好一个社会角色，但这个社会角色的灵魂不是别人，而是我们自己。所以，我们可以做的事情，其实就是弄清楚，我们自己内心的欲望原型是什么，把这一点想明白，其实对你就够用了。
我们顺着前面的例子说，你想要创立一家估值千亿美元的公司。同时，你的欲望原型是什么？是“被喜爱”？还是“被敬畏”？搞清楚了这件事，你就能在很多关键决策面前，省却复杂的心理活动，找到自己最舒服的方向。想要被喜爱，你可能去做一家迪士尼；想要被敬畏，你可能会去做一个华为。
只设计第一步行动
我们看一段特别长的戏，会觉得，“哇，这个演员怎么演这么好，整段剧这么长，他竟然能一镜到底，每个动作、每个表情、每句台词都那么真实连贯，他把整个过程设计得真好。”
这个想法，刘天池老师告诉我们，不对。一个好演员一口气演了半小时，一场话剧甚至2个小时，看似一气呵成，但其实，他在上场前，可能只设计了第一个动作、第一个表情、第一句台词。
为什么会这样？演员对剧情是熟悉的，他了解所有故事和结局。而他如果带着已知的心情，设计好全程再去演，那么在观众看来，就会觉得假、觉得生硬。
因为你什么都知道，什么都准备好了，你只不过等在那里，等着把惊诧演出来，等着把欢喜演出来，等着把失落演出来。这是表演的一个大忌讳，叫做“只演出了情绪，没有演出情绪起来的真实过程”。
所以，你恰恰需要带着未知的心，去表演。
刘天池老师告诉我们一句话，叫“前期的准备工作，能多复杂就多复杂，但是当你要开始的时候，能多简单就多简单。”
你看，这个“前期的工作”，就是前面我们说的，你揣摩一个角色的时候，对它的理解多细致都不为过。那么，这个“开始的时候”，指的就是表演的第一步。
只设计第一步，这是不是太可怕了？后面失控了怎么办？
演员们有两个办法可以防止表演失控。
第一个办法，就是前面我们讲过的，时刻自我提醒角色的总目标和情感需求。
真正开始表演的时候，演员是清楚角色的总目标的，也是清楚他的情感需求的，只要你在规划好角色的第一个动作，接下来，只需去关注对手、根据对手的反应，给出真实的反应就可以了。只要你的总目标和情感需求在，你的演绎就不会跑偏。
我们都记得经典的《大话西游》。在孙悟空想要撩白晶晶的那个晚上，孙悟空的总目标是撩到白晶晶。他出场的第一句台词是设计好的，他说：“长夜漫漫，无心睡眠。我以为只有我睡不着觉，原来晶晶姑娘你也睡不着啊。”接下来，就根据白晶晶的反应，再去自然地反应。
第二个防止表演失控的办法是，具体在设计这个表演第一步时，你对它的想象和设计，要越详尽越好。这能给你足够的素材，支撑你后续的表演和应对。
我们举个例子，比方说你要表演在等车。你会怎么设计第一步？你可能踮一下脚尖，向马路的左边张望。
但一个好演员对“等车”这个场景的想象可以精细到什么程度呢？他可能会问自己，这是什么天气？白天还是晚上？站台有没有座位或者栏杆，金属的还是塑料的？路上堵不堵，我往远处看能看多远？车站有没有别人，离我多近？我有没有觉得不自在，敢不敢哼歌？我想抽烟吗？附近有没有垃圾桶？我等多久了，着不着急？我背着包吗？沉不沉，里面有什么？我是从哪里出来？等等等等。
你看，这些想象，其实是把“等车”这个场景拆得无比细致、无比周全。这种情况下，不管你的对手给出什么反应，你都是能够依托你的细节想象，来给出合理回应的。所有事情，都已经在你的预计当中。
这在我们日常生活里，其实是一种预案思维。
面对一个重要事件、重要场合，我们最重要的事情并不是针对一种可能性设计好整个过程，而是要设想到各种可能出现的情况，做足充分的预案。
你要是对可能的情况做了足够详尽的想象，那么，无论事情的走向在你的主线之内还是之外，你都能有对应的预案，来处理它。
给动作找一个理由
到这儿，你对怎样演好一个角色，已经理解了60分了。接下来我想跟你讲的，是加分题了。
出色的表演是对生活的还原，表演的最高境界是看不出在演。我们看一场戏，之所以觉得演员的肢体表达舒服，就是因为他的动作在当下的场景里是合理顺畅的。所以，关于动作，演员在表演中有两个天条：
第一，如果设计了动作，要给动作一个理由。
第二，如果设计了动作，这个动作要有方向和可执行。
第一点，给动作一个理由，其实原理跟我们前面说的“做好预案”是一个意思。日常生活中，我们做的任何动作都是有理由的，理由能够帮你细化动作的合理性。
理由怎么来呢？从场景中来。我们来举个例子。我请你来做一个想象，想象的内容是，你发现鞋上有一个泥点，你想擦掉它。好，你的动作可能是低头、看见泥点、掏出纸巾、蹲下、擦拭、起身、扔掉纸巾。
接下来，我要给这个内容加一个场景，你在公交车上看到鞋上有个泥点想要擦掉它。这时，你脑中可能出现了一个乘坐公交车的场景。车上晃晃悠悠，而且人挤人，没有座位，你已经站了8站地，稍微有点疲惫。那你会怎么完成这个动作呢？可能会轻微摇晃着，看见泥点后还皱了下眉，然后把背包从身后挪到胸前，打开拉链，翻了半天找出一包纸巾，抬起腿悬在半空，费力地擦掉了泥点，最后把废纸握在手心里，看向窗外。
你看，当有一个场景出现，动作就立刻发生了变化。
我们还可以继续往下想，你是每天都来还是第一次坐这辆车？你要去哪儿？是刚出发还是要回家？是上午还是晚上？是去办事还是去见一个你喜欢的人？你喜欢他/她多久了？你们已经开始交往了吗？
请你一边想象这些，一边做擦泥点这个动作。你会发现，你想象得越细腻越具体，你做出动作的方向、力度、复杂程度就越不一样。
第二个天条，让动作有方向和可执行。
有方向，说的是动作要有起点和终点。哪怕幅度再小的动作，也不能只做一半儿，都是要有目标的。比如你擦鞋，鞋面儿多大？擦的动作是从哪儿到哪儿？手到一半不能飘了。
可执行，说的是对动作的预期要尽量明确、具体。这个可以用反例来解释。比方我跟你说：“请你去运动”，你肯定不知道该怎么转化成动作。但是如果我说：“请你跳绳200下”。它立刻就变成可执行的了。
所以，能够凸显细节的动作一定是有力度、有范围、具体、可以被执行的。
总结
到这里，我们用了四点，来总结一个好演员是怎样演绎一个鲜活的角色的。这套方法，对我们日常演好自己的社会角色也非常有帮助。
我们回到开头那个问题，假设你今天必须去跟一个交情不错的下属面对面沟通，请他离开公司，你可以怎么做？
借用演员思维模型，你可以这么来：
第一，明确你在谈话中，是上级，不是朋友。你的总目标是开除一个下属。
第二，明确你自己的欲望原型是“不被记恨”。
第三，设计好你开口的第一句话，比方说，“我很抱歉，有一个不太好的消息，但我认为我应该跟你直接谈。”同时，你要先想好，对方可能平静接受，可能哀求，也可能生气。
第四， 虽然你们也是朋友，不要做跟“开除一个下属”这个总目标无关的事。当然，因为你想要“不被记恨”，那么，你也许可以以个人身份提供工作建议，甚至其他的工作机会推荐。
你肯定有自己喜欢的电影和演员。你愿意分析一下你喜欢的演员和角色吗？他的演绎让你有什么感悟？欢迎你在下方留言。
我们下节课再见。
