《呐喊》
爱德华·蒙克于1893年画的《呐喊》：太阳落山了，天空变成了血红色，我感到了一阵悲凉。我倚在栏杆上，极度疲倦，我仿佛听到来自大自然无限空旷的呐喊声。
呐喊的艺术显然是抗议的艺术。蒙克在这方面承担着重要角色，整个20世纪，他都是不同表现主义的参照对象。蒙克已经以预感的方式，表现了人类令人窒息的呐喊吗？
在那个历史时代，没有哪件事情是不被艺术家知道和想象的。然而一些人感到了世间的阴暗，许多人发现失去了作为个体的权利。
表现主义与历史的关系，是由痛苦引起的呐喊。痛苦的意识到处都是，事情进行不了，世界崩溃，人们什么都不再了解等等。
于是所有这些问题的第一个答案，就是试图闭上眼睛说：最终也没有比这更糟的了。这就好比吃了镇定剂，有一部分文学和艺术就是阿司匹林。我们吃了阿司匹林药片，就看不到所发生的事情，而另一部分文学和艺术，坚持丢掉阿司匹林，坚持要让人们感受到他们所处的痛苦。
《呐喊》2
立普斯是20世纪美学中“移情说”的奠基人，他也为表现主义奠定了美学基础。
立普斯认为：审美感受是一种客观化的自我享受，是在一个与自我不同的感性对象中玩味自我本身，把自我注入到对象中去。“客体是没有生命和感情的，当主体将情感灌注于客体时，才产生了美感”。
“观赏者在欣赏艺术品时所产生的内模仿活动，是审美享受和审美评价的基础”。
“色彩、线、面和空间具有独特的感情价值，它们可以是欢乐的或忧郁的，是鼓舞人心的，或是令人懊恼的，是强有力的或微弱的”。
费德勒认为：艺术不要模仿自然，不要在艺术中表现文学题材。他对古典主义和传统艺术都持否定态度。“艺术品的形式和主题是一致的”。他是第一个把艺术品看作是内在需要的理论家。
表现主义者形成了自己的基本观点：
1、不满足于现状，认为艺术应当不断革新。克利说艺术家应当不断进行追求的是艺术的形式，诺尔德认为如何画比画什么更重要。
2、艺术不是表现可视的现实，不应该模仿客观现实，艺术应表现精神美。应当追求表现现实背后的东西。表现主义并不完全否定艺术与现实之间的关系，它想建立艺术与生活的一种新的关系。
3、艺术的目的和作用，不是给人以教育、训诫和知识，而在于传达内在的信息。
有观点认为，表现主义是反对印象主义的运动。
在表现主义的绘画中，总有一种曲解对象的主题占上风。印象主义在自然的景象前，几乎总是高兴的景象，幸福地躲开。表现主义与物体斗争，这方面自然会提到戈雅。
梵高与景色做斗争，把他的疯狂强加给景色。把绘画题材捣碎是表现主义者的特征。梵高提出要表现的，正是绘画题材和色彩。他希望拯救人们，他徒劳地关心他们的悲惨，但也只能是将他们画下来。刻制的痛苦和激情折磨着他，使他变得疯狂。
表现主义是一种带着痛苦绘画的方式，将内部的纷乱压在造型表达上。
《呐喊》3
1895年，蒙克32岁，他被地狱的烈火包围，他不停地说：疾病、狂热和死亡，都是黑色的天使，它们在我摇篮的上方醒来，并且伴我一生。
他表达的孤独是疑问，这种痛苦的惊讶，在他的自画像里尤其明显。在他的自画像里很难找到一个幸福的男人。
“我相信我的存在，就是悬崖上的一个天平”。
他并不是一个彻底的悲观主义者，他的每幅作品就是一个不断从生活中找出的问题，从而了解并控制问题。
表现主义想表现、展示的就是困惑，在那个社会里人的困惑。那个社会已经变得不人道了，资本主义的胜利，现代社会的战争，以及极端贫富的差距，已经完全不能被人类的美好意愿所消减。所有这些引起了混乱、担忧、困惑。表现主义就是要将这些诠释出来。
伴随着社会文化的发展，科技的进步，人类走上一条不归路，正是文化危机本身产生了困惑的理由，人类忘却了他们存在的所有生命的源泉，人类似乎自我迷失了。
二重性是德国表现主义的特性，双重含义里有困惑和玄奥。
如何解剖德国表现主义的形式？新艺术几乎在整个欧洲诞生，新艺术从轶事的自然主义的束缚中解脱出来，是通过审美关系与自然外形的自由解脱出来的。
在这个摩登风格里，古斯塔夫·克里姆特是首屈一指的代表人物。他用匿名的装饰性的大罩子，将主题掩盖。通过脸和手部的对比，产生强大的表现力。
这就是表现主义的姿态，让人推测在彩色脂粉的模糊的透明背后的悲观主题。
同样也在维也纳，另一位画家彻底摒弃这种彬彬有礼的姿态，他就是奥斯卡·柯柯希卡。他对他的主题进行深刻的分析，当他看到一个静物的时候，他想使人感到每个物质、每块肌肉内部的构成。他是表现主义的另一种表现手法，不用描述、分割来表达敏感。主题并不是画面上的对象，而是它指给观者的。
“现代社会需要逃避，我在任何环境下都不想逃避，我愿意呆在那。有时我快乐，有时我沮丧。因此，这就是我的画”。柯克西卡不为自己作画，“表现主义不是活在象牙塔里”，这就意味着他的作品和其他表现主义艺术家的作品一样，应该向什么人诉说。
柯克西卡作品
在1906到1907年间，有个德莱斯顿学院，有人称之为“桥社”，它冠以表现主义者的头衔。如一名评论家所言：那时候，艺术在黑暗中咆哮，它向精神求救，年轻画家们对此作出反映，创造对他们来说是情感表现的释放，需要艺术和生活的结合。为此，他们寻求人类与自然的融合。原始的怀旧使他们，欣赏大洋洲的艺术和高更。
桥社有一位画家，施米特·鲁特勒夫，他在1914年战争之前，具有色彩的表现性。我们在他的画中，看到的色彩搭配让人不由得想起，某种阴暗东西的表达。造型的词汇承担着这种困惑，颜色在这里就是虚假厚度的彩妆，只有通过它所掩盖的东西，它才有意义。
桥社的主题总是微不足道的，绘画的兴趣就在于此。因为这些年轻画家认为，重要的是可以感知的，而不是照搬格式。
桥社的作品让人预感到未来，并以同样的方式发现，即将爆发战争的迹象。
弗朗茨·马克在战争中被杀害，他画蓝色的马，与想使其变得悲惨的色彩做斗争。
弗朗茨·马克作品
奥古斯特·马克同样在战壕中消失了，他也用蓝色赋予最简单的主题以困惑的重负。
奥古斯特·马克作品
战争的情景是残酷的，这些情景束缚着艺术家，在这期间，艺术家不可能注意到其它的东西，很少有人能经得起这现实。早期的描述战争到来的表现主义者，破裂了，或是被改造，或是放弃了。
,
