本文导言：“You don't need lessons to Rock”——无数的吉他英雄、摇滚大师用自身的存在证明着这一点，也成为最初我们拿起吉他、学习吉他的源动力。
那么我们究竟该怎样在练习吉他的过程中最大化我们的练习效果呢？希望以下的内容能给你一些启发，找到专属于你的练习方式。
一、练习时应有的心态
1. 练习是一个概念——尝试不要区别对待任何一个你在吉他上弹出的音符或者和弦，因为跟吉他相处的所有时间实际上都是在“练习”吉他，不管弹的是什么，不管当下的水平如何，世界上没有任何一个吉他练习能够让我们的手指在短时间内变得强壮、让技巧突飞猛进。
二、练习时放松你的身体
首先我们要知道放松的目的，以及为什么放松能够帮助你得到更好的练习效果。这里探讨的放松，是一种相对的放松，不是瘫坐在沙发里的疲软，而是给我们的相关肌肉自由活动、自由选择它们所需紧张度的权利。举例解释就是，如果现在我要拎起我面前的一个箱子，而我不知道它有多重，需要用多大的力气，如果我在拎它之前默认我需要很大的力量才可以举起它的话，会有什么结果呢？没错，在真正发力之前，肌肉就已经紧张了，也许确实需要这么大的力量，但也许我实际使用的力量远远超出了真正需要的力量。但是如果我在拎起它之前，不去自主地收缩肌肉，而是放松，让肌肉在拎起箱子的过程中自己调整它的收缩程度，结果就是我用刚好合适的力量完成了拎起箱子这个动作，如果让我把箱子放下，重新再拎起，我也会很明确地知道自己需要用多大的力量。所以我们在练习时强调放松，是为了平衡“紧张感”与“放松”这两个相反的概念，往往我们都会是那个拎箱子之前就卯足了劲的人，吃力不讨好，而在练习里需要用心训练的内容应该是动作的精准度，训练自己用最轻松的方式、最合适的力量去弹奏。
1. 背部：背部的肌肉是人体的大肌肉群之一，我们的站立与行动都会与背部以及我们的腰腹（核心肌群）息息相关。
不管是坐着练琴或者站着练琴，想象着自己重量集中在核心（坐着的话重量集中在臀部），并尝试保持背部的自然弧度（微微向后弯曲的感觉）。也不用非常挺拔，偶尔驼背也无妨（要看自己的左手嘛），记得的时候尽量调整一下自己的背部。如果在弹琴的时候经常驼背，过长时间的练习真的会让背部有不小的压力。
2. 肩膀与大臂：在吉他抱得比较直、比较靠近身体的前提下，肩膀是相对放松并且下沉，大臂是自然地放在琴箱上的，不要试图对抗重力，而是利用它。弹琴体比较薄的电吉他时会有点困难，我们只能尽力去下沉肩膀、放松大臂。如果有用肘关节支撑小臂的习惯，那么在弹奏的时候大臂和肩膀都会比较紧张比且上抬，长时间会酸。当然我觉得肩膀和大臂是要参与我们右手的演奏的，只是我们自主放松它们，让它们自己自然地选择应该多紧张。左肩与右肩相似，放松且下沉，整个手臂像是挂在琴颈上一样，自然却不松软。
3. 小臂与手腕：当你手臂下垂、放松时，可以观察到手腕和手指都是以一定的角度自然弯曲而不是绷直的，右手演奏的时候我们的手腕如果可以保持放松自然、不绷直或者不过度外翻的方式来支持手指拨动琴弦或者使用拨片，整个右手会更有弹性、更自然，甚至会有一种琴弦的震动传递到手腕上的感觉。小臂与手腕的关系更像是一种互动，很难说得清究竟是谁在带动谁，可以确定的是如果我们可以活用手腕的弹性，演奏会更流畅、更容易保持相对一致的速度。
4. 手指：我们上面讨论过，在放松时，手指是向着手心自然弯曲的，演奏时也以这种方式开始！关于左手手指按弦的角度，初学者通常会被要求让手指与指板形成九十度，我建议手指的角度在接近九十度时会有一个放松与紧张状态的结合点，如果超过九十度，会有一种扣弦的感觉，过于紧张。同样在右手进行指弹演奏的时候，也是以放松微曲的状态开始，用指腹接近指尖的部分感受琴弦、调整力度。
总结：我们需要给肌肉相对放松的状态，以此开始去练习动作的准确性，随着准确性和熟练度提升，想要弹出更饱满更响亮的音色都会相对比较容易和轻松；相反的，如果练习时太紧张，养成弹奏时肌肉紧张的习惯，练习的效果（即演奏的精准度）会大打折扣并且很快就会进入到上文所提到的精疲力竭和自我怀疑的状态。
三、练习时调动你的听觉
放松了身体、明确了目标，现在开始就需要调动各种感官来帮助我们的练习达到更好的效果。对音乐的感受首先由听觉开始，自然在练习时要学会去“听”，即学会去辨别自己弹出的声音是不是自己想要的，如果不是，需要从什么方面来加强。
要知道吉他听起来永远是吉他，你的吉他演奏也永远只会听起来是你的演奏，每个人的手指长得不尽相同，每个人按弦的位置、力度，拨弦的角度、速度等等都存在细微的差别，我们称作tone of the finger(你手指的音色），所以想要完全复制另外一个人的演奏是不可能的，可以无限相似、无限接近，但最终每个弹吉他的人都会有自己的音色。其他还会影响我们听觉的因素还包括吉他本身的音色特点、你练习所在的房间甚至是房间里的不同位置、拨片的厚度以及材质等等，还有如果我们把平时练习时的演奏和从唱片里听到的吉他音色做对比，会觉得我们自己的声音总是不够“大”、“满”或者不够“均匀”和“持续”，那是因为录音室唱片里的吉他片段在录制后都至少要经过compress(压缩）、EQ(均衡）的处理让它们在整个编曲里有自己的位置，往往还会用上reverb(混响）、delay(延迟）等空间效果，在原声吉他轨上加chorus(合唱）效果也是常用的小把戏。唱片里的歌曲的吉他部分overdub（叠录：同样的部分弹两遍然后当作一个吉他音轨来使用，两遍中细微的时间和音高差异会在听觉上带来更加“大”和“满”的感受）也会让我们觉得自己吉他听起来总是不如唱片里的饱满和富有激情，再加上吉他录音时使用不同的话筒、不同的录制方式，单是一把原声吉他的音色的可变性就太多了。
关于听觉方面我想给出下面几条可行的建议：
1. 听你喜欢的音乐家的演奏，尤其是他们的live录音，听他们的声音特点而不是音色，当作你日后练习的参考。比方说他们弹奏这首歌的时候在音量和力度上是比较统一、一成不变，还是根据歌曲的不同部分而抑扬顿挫（dynamic)？他们弹出的和弦音色听起来是偏亮还是偏暗？这首歌的主要节奏型是怎样的，貌似他们每首歌都是这样啊？他们的演奏有没有一些细节你没有留意到，比方说在歌曲的前奏用了左手切音，在主歌部分加了一点点右手的闷音？在桥段的地方只扫低音弦？他的扫弦里好像还带着一点旋律，是不是左手用了一些hammer on(击弦）、或者suspended chords(挂留和弦）？又或者是不是右手特意弹拨了某一个和弦内音？甚至你可以注意到他的吉他在某些部分打品了...总之就像之前说的，吉他听起来永远是吉他，但是就是这些小细节的叠加，造就了一个吉他手的演奏风格，对于想提升吉他水平的你我来说，这些细节无一例外都是我们需要留意的地方。
2. 在你喜欢的音乐风格里，多留意几位不同的音乐家，不是为了吸取他们身上所有的长处，而是为了让我们真正地认识到吉他演奏的多样性与每位音乐家的独特性，从而可以慢慢地接受自己的演奏、勇敢地演奏我们自己。我不认同一些人所说的“即使你最后只弹一种风格的音乐，那你也最好把除此之外的别的风格都学些、涉猎一点”，在某一种风格里值得研究的东西其实已经足够多了，因为某一种风格里不会只有一个乐队或者几支乐队，在你热爱的风格里去搜索弹琴的素材，如果日后对别的风格产生了兴趣，再去涉猎才是好的，要不然练习就成为了我们开头所说的“为了练习而练习”，让我去听我暂时还没兴趣去了解的歌，去练习让我没有动力、没有兴趣的音乐片段，我实在不想再把音乐变成痛苦与纠结，是的，我在最初接触音乐的时候就走过这样的弯路，如果你也有类似的体验，一定会感同身受，那太可怕了！
3. 当我们在听觉感受上有了目标，我们在练习的时候就不会再像一个无头苍蝇，所以现在，是时候去真正地“听”我们自己的演奏了。不知道正在阅读的你有没有在某一天的练习中产生这样的想法：“今天的练习时间很紧迫，一个小时之后我就必须要出门，天呐时间好紧，我一定要练出点成果不然今天就没时间再练了！”然后拿起吉他的时候呼吸开始加快，双手也不如平时放松，脑子里挥之不去的是“我一定要练出点成果”的想法，随后自我怀疑也很快光顾了你。每当这种情况出现，我都会知道其实我根本没有在听我自己的演奏，不过是为了练习而练习，所以如果可以，深呼吸冷静下来，不要去抵抗自我怀疑，不要着急给自己当下的弹奏下判断，去听，然后试着去接受，首先接受自己当下的弹奏，然后我们才有可能在这个基础之上，对比我们先前设定好的练习参考，来对我们的弹奏做出调整。比方说如果我希望我扫出的和弦更加有颗粒感、和弦的高音部分更加鲜明，我可以试着换种想法，用一种“推”的方式来代替“扫”，把每个弦的音都结结实实地“推”出来，慢慢加快速度，让动作连贯成“扫”，同时我的左手是不是也可以按得更实、更贴近品丝一点？像这样，听、思考然后调整自己的方式或者去搜索学习一个新的技巧，一定要成为一个有判断力、有自主学习能力的player，才会让我们的弹奏有稳定的进步。弹琴前记得调好音（音准很重要，至少你要听不出来有任何音不准的弦，虽然调音器会暗地里骂你简直是个聋子），放松，深呼吸，听！
4. 录下自己的弹奏，自己听。当时听，可以先下个判断,立马做一些调整；别着急删，过几天你完全忘了你当时弹奏的感受时，忘记自己当时犯的错误，再听一下，这时你可能会觉得你在听另外一个人演奏，帮助你少一些主观的思维定势（比方说“唉，我真的不太擅长弹分解和弦...”、“为什么我击弦的声音这么小这么弱！”)。有时候我们感受到的会和真正的现实情况有出入，可能当你再听的时候你会想“好像击弦这种特定的音色就是在一定的音量差异下才显现出来，当然我可以再练习让我的击弦音量更平均、更有敲击的感觉”，这是一个通过听觉进行的自我认识、自我调整的过程。我知道你大概跟我一样，自己说自己弹得垃圾可以，别人说我弹得垃圾不好意思不可以！所以我不建议随便什么都发给别人听啦，自己判定自己的声音，你知道你到底喜欢或者不喜欢，别骗自己！
四、练习时调动你的感觉
1. 在你的练习中，安排与节拍器相处的时间，节奏是你主动的感觉之一，不是你要被动去跟随的标准。自从接触了节拍器以后，发现有时自己对弹奏的偏执简直是更上一层楼，但是节拍器的神奇之处就在于当我们把它停下来时，节拍仿佛没有停下来并且融入到了我们的演奏当中。还记得练习的目的吧？弹奏音乐，所以记得与节拍器做朋友，让节奏成为我们拿起乐器就信手拈来的感觉，离开节拍器却心中有节拍,即使与节拍器一起练习，也不至于非常不自在或者根本无法自由地弹奏，达到这个程度之后，我觉得如果你真的那么讨厌节拍器，不用也罢。如果以后你对自己录制、制作歌曲产生了兴趣，录音时可以很好地与节拍器配合，会让你的作品更加紧凑和方便后期编辑处理。
2. 在你的练习中，安排与你喜爱的原曲录音一起弹奏的时间，听到这首歌时你是怎样的感觉，带着同样的感觉去演奏。这样做一是提醒我们记得练习的目的，二是与原曲录音一起弹奏时我们可以发现更多之前没有留意的事情，尤其是歌曲的节奏、速度上，很可能你喜欢的歌是一首节奏和速度有变化的歌曲，这也更加验证了我们刚刚所说的“节奏应该是主观的感觉”这一说法，既然人的心跳可以随着情绪的变化而变化，那么为什么我们弹奏的速度不可以呢？音乐家是人，节拍器是机器，一切应该以音乐家为中心，先有音乐，再去分析音乐，所以你的感觉很大程度上就是你的音乐，你的感觉很重要！
五、练习时调动你的视觉
回想一下我们最初被吉他吸引的时候，除了唱片里丰富的吉他声，是不是看了哪位音乐家的演奏视频，觉得弹吉他、做音乐是一件很酷的事情？把视觉也包括在我们的学习和练习里，会给练习带来更丰富的体验。
1. 回放一下你最爱的乐队的现场，观察乐手的肢体和动作。自学吉他能够实现的一大因素就是如何弹吉他是可视化的，举个反例，对于唱歌的技巧与训练就众说纷纭，但又好像每个人都他妈是一个声乐专家，而且比吉他自学难度大的原因就在于我们即使听着世界上最优秀的歌手唱着歌，仍然无法知道他的声带与身体究竟在进行着怎样的配合。如果我们认真去听并且观察音乐家弹奏吉他，不难发现一些特点，我们时常会看到很多吉他手似乎并不是在用那么“正确”的方式演奏，比如一些音乐家的演奏时手腕很放松、很有弹性，但是整个右臂都参与到扫弦的动作里，比如说一些唱作人在弹唱的时肩膀会有抬起的倾向，又或者是手腕会有外翻的倾向等等。观察的目的一仍然在于了解吉他演奏的独特性，二是观察后判断这些有共性又独特的动作会不会对声音产生一定的影响，如果有，那么影响是什么？举个例子如果你的吉他英雄在刷power chords(强力和弦）音墙时从来都是整个胳膊大幅度移动，思考一下为什么，只是为了look cool吗？还是在手腕和小臂都放松的基础之上移动力量与移动范围更大的大臂，拨片与每个琴弦接触得更加“实”、更有攻击性，在配合失真效果器的情况下，失真的音色会和只用手腕带动弹奏时的不一样？当然别人的演奏永远是参考，是我们的一个努力方向而不是我们最终的具体目标。
2. 把在镜子前练习加入自己的计划，练习时观察自己的动作。我们认真听和观察别人的演奏，最终的目的是要提高自己的演奏，因为唱片和已经存在的这些音乐家就是我们最直接的学习素材，通过他们的音乐去培养自己的鉴赏力、判断力，当然只要是在不欺骗自己的情况下，喜欢什么都是没有对错的，反正不管喜欢什么也总会有喜欢别种风格的人来喷你。在镜子前练习可能会给你带来以下的好处，我不确定人人都会有这样的体验：
a.有时在镜子前观察着镜子里的自己进行练习仿佛会进入一种旁观者的状态，如果你是一个有氧运动爱好者，这种感觉就像是在慢跑。看着镜子里的自己，手上的音乐是你在弹奏，但你又好像并没有在很“努力”地弹奏，就像是在慢跑时并不能完全感受到自己跑出的每一步都是在我们精准的控制之下，仿佛我们给了它指令，它就自然地动起来了一样。我发现每次对着镜子练习，进入到那种状态，相比一直高度紧张地低头注视着自己的手，演奏会更流畅、更少阻碍,我在乎得越少，就弹得越好。
b.如果身体有不放松、不协调的地方，这些在镜子里都逃不过你的眼睛，从你的手腕到肩膀都可以观察得到。
c.我们在面对镜子练习前观察了那么多音乐家的演奏，你的观察结果都可以放在这个环节里来尝试，还是那句话，你的演奏只能听起来并且看起来是你的演奏，不要欺骗自己做一些除了让自己看起来更酷但是实际上很不舒服的动作。
六、保护好你最重要的乐器——手
我们通篇都在讨论吉他演奏的独特性，很多音乐家也都希望自己的演奏方式和所使用的乐器都是独一无二的，但是不要忘记你弹奏乐器的双手生来就已经独一无二！
1. 如果让我说一个关于吉他最大的谎话，非“弹得多了起老茧了就不疼了”莫属。直到现在，过长时间的弹奏或者过于紧张的按弦还是会让指尖疼痛难忍，当然比初学的时候会好很多，但是手指疼痛的问题还是存在的，所以上文中我们也强调了要使用最合适的力量，不要做一个吃力不讨好的player。如果在弹奏中出现指尖难忍的疼痛或者抽筋等等状况，试着停下来。我相信我们都有能力判断哪种疼痛是身体在呐喊、在抗议，哪种疼痛只是我们的惰性和不想付出在抗议，不光是不要欺骗自己，这种时候要试着不再强迫自己。
2. 给手指热热身，跟着节拍器爬一会儿格子也好，弹一点平缓温柔的片段也好，跟“练习”吉他的概念相似，其实弹什么都是在热身，自己掌握强度，不要苛求自己，因为人类不是用开关控制的演奏机器。
3. 小窍门1：冬天弹奏前条件允许的话用热水洗个手再开始。
4. 小窍门2：给大家推荐一个在Youtube上学来的手指拉伸操，可以用VPN或者在国外的朋友请戳链接：https://youtu.be/TSrfB7JIzxY
(GuitarLessons365是一个很棒的Youtube频道，完整的歌曲教学，全免费)
下面直接附上图解：
左右手都可以做，这里我用左手来做示范
第一步：放松手腕，甩动你的双手。这个甩手的动作也可以穿插在其他动作的间隙里做。
第二步：从手肘偏下的位置开始用大拇指按压你的小臂，一路向下按摩到手腕处，小臂的外侧也以同样方式按摩。
第三步：按摩手掌、手背、手指、指尖等部位，促进血液循环，为接下来的拉伸做准备。
第四步：向身体方向依次拉伸食指、中指、无名指（保持有拉伸感即可，持续5秒，手掌和手腕处也有感觉）
第五步：向手心方向依次拉伸食指、中指、无名指（持续5秒，手背到手腕处也都有拉伸感）
第六步：分别向身体方向和手心方向拉伸小拇指，需要注意的是，往身体方向拉伸时，方向稍稍偏右（记住示范用的是左手），这样做可以拉伸到手掌外侧的肌肉。
第七步：分别向身体方向和手心方向拉伸大拇指，注意要让内外侧的虎口肌肉也感受到拉伸。
第八步：分别向身体和手心两个方向拉伸全部手指，小臂靠近腕部的地方会有强烈的拉伸感。
第九步：手掌的两侧也分别要拉伸。
第十步：用右手把左手中指和无名指尽量分开（同样的，持续5秒），食指与中指、无名指与小拇指也要这样拉伸。
第十一步：所有手指都尽力伸展，持续五秒，反复三次。
写在最后：希望我们可以拥有健康的双手，保持健康的心态，充分运用各种感官；让我们的吉他练习更有效率，让我们的思考更独立，让我们的学习更自主，让我们的音乐来自于灵魂、跃然于指尖！
作者：Brandon
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