《传染病》是由华纳兄弟影片公司出品，由史蒂文·索德伯格执导，影片于2011年在美国上映 。影片灵感来源于SARS，讲述了一种靠着空气就能传播的致命病毒，世界各地的医疗组织争分夺秒研究病毒抗体的故事。
作为《十一罗汉》系列的导演，曾凭借《毒品网络》获得奥斯卡最佳导演的史蒂文·索德伯格一向就擅长拍摄“人物群像”类题材以及协调大牌明星之间的关系。而这部《传染病》同样也是大牌云集，囊括了玛丽昂·歌迪亚、格温妮丝·帕特洛、凯特·温丝莱特三位奥斯卡影后，以及马特·达蒙、劳伦斯·菲什伯恩、裘德·洛、布莱恩·科兰斯顿等多位好莱坞大牌男星。
在创作过程中，导演索德伯格以及编剧斯科特·Z·本恩斯用群像描绘的模式，让电影中大部分的人物及事件都以随机事件出现。来展现疾病蔓延下人性的复杂多变，让故事内核突破了一般灾难片的套路，上升到了更深一层的社会反思层面。
所以，我今天会结合电影中故事架构、人物塑造、影像风格三个方面来分析这部影片的魅力与价值，进一步探索史蒂文·索德伯格作品的魅力所在。
《传染病》采取了伪纪录片的故事架构模式，把一个传染病从发病第1天到发病第135天，个体、社会所发生的种种场景以碎片化的形式所呈现出来。看上去表面支离破碎的情节，却用内在的强烈逻辑所连接起来。
影片一开场，冷峻的画面色彩以及低调光线奠定了全片写实压抑的风格。正结束在香港的出差，在机场转机的贝斯和一个男人通着话，她的面色阴沉，咳嗽声不断，显得身体抱恙。从她和男人的对话中我们得知，她刚经历了一次出轨，此刻正准备搭乘航班回到明尼阿波利斯的家中。而此时，下方字幕显示的”第二天",似乎让观众有些摸不着头脑。
随后，伴随着一阵快节奏紧张的鼓点音乐，结合平行蒙太奇的快切镜头：从中国香港的年轻男子李辉、到英国伦敦的模特、再到日本东京的上班族、以及回到明尼阿波利斯家中的贝斯。几位第一波的“超级感染者”几乎在同时出现了感染症状。
导演和摄影师在这段情节中，有意识的大量采用了手持摇晃摄影，并结合病人的主观视角，来展现病毒在人体内的快速扩散。
仅仅在四天内，几位第一波感染者就迅速地相继猝死。尤其是贝斯，病发前一秒，她还以为是日常的感冒发烧引起的身体抱恙，还在和丈夫讨论日常的生活琐事。然而后一秒便轰然倒下。
由于贝斯一角是由奥斯卡影后格温妮丝·帕特洛饰演，又是全片第一个出场的角色，所以观众很自然的会把她当作故事主角，期待着她在送去医院后能够被抢救过来。然而马特达蒙饰演的丈夫米丘，等待到的只有医生冰冷的死亡通知。
甚至连贝斯短暂接触过的儿子也就在悄无声息中忽然死去。
随后，香港爆发了小规模的疫情，何超仪饰演香港男子李辉的妹妹，将哥哥的骨灰送回广东老家，然而还没等下大巴车，便已经死去。而病毒也随着她而迅速扩散开来。
随着病毒扩散，之前还以为贝斯是死于急性脑髓炎的医生开始意识到这或许是一种新型的未知病毒。他们拨开贝斯的头皮，进行开颅解剖。在这段镜头中，导演用了近乎血腥与残忍的方式将新型病毒的恐怖不加掩饰地展现在观众面前。
没有所谓的大牌明星，也没有什么主角，只有在病毒面前人人自危，朝不保夕的感染者，更加突出了疫情的残酷。但是，仅仅把这部片子当成一部灾难惊悚电影显然不足以道出它的内涵，除了利用伪纪录片的故事架构模式，导演更用了群像式的人物塑造手法，来展现出了传染病蔓延下的“众生相"，来呈现更为深刻的批判讽刺主题。
02、人物塑造上，通过描绘传染病背景下的人性百态，来实现深刻的批判讽刺主题。《传染病》中为力求真实感，所有大牌明星纷纷抛去明星光环，作为电影群像中的一环出现，突出普通人在灾难中的个人困境，完全舍弃个人风格，只在有限的表演空间里发挥，来契合全片压抑写实的氛围。
片中从多个角度形成了多线叙事，这些线彼此相对独立，但却几乎涵盖了一场病毒危机中的众生相。
- 疾病控制中心的基弗医生派米尔斯去疫情第一线调查并布置防疫。
- 女流行病学家利奥诺拉被派往香港去寻找0号病源。
- 病毒学家不顾自身安危研制疫苗
- 拥有天然抗体的米丘和自己和女儿幸存并艰难生活
- 网红博客主艾伦借着病毒流行散发谣言从中获利。
首先是凯特温斯莱特饰演的美国疾控中心（CDC)研究员米尔斯，她临危受命，前往明尼阿波利斯市卫生部进行调查研究，准备在病毒迅速扩散前找出控制应对方案。
米尔斯可以说代表了那些专业人士，只从专业角度提供判断。她猜测病毒感染途径可能是通过呼吸系统以及门把手、床单被褥、甚至人的手和脸等非生物介质。并提出了”基本感染数"的概念，提醒官员应当迅速引起重视。
然而卫生部的官员们显然瞻前顾后考虑得更多，他们担心消息散播出去会引发市民恐慌，影响社会秩序造成商业损失。因此在72小时内，确切病毒样本诊断结果出来前，他们会持保留意见，不公布消息。
结果到了第8天，病毒迅速扩散，感染人数已经到了89000多，CDC此时确定病毒源头里有猪和蝙蝠的基因序列。然而目前培养疫苗的种种尝试都已经宣告失败。
到了12天，全球感染人数已经到了八百万，明尼斯阿波利市也已经超过了3000例。在米尔斯要求下，三个体育馆被改建成临时收治中心。两天后的第14天，米尔斯发现自己也被感染了，被送进了收治中心。他的上司基弗想动用带有专用隔离舱的专机接回米尔斯，却被军方告知唯一一架专机早已被感染的议员征用。城市将要被封锁，为了避免恐慌，政府才没有第一时间公布消息。
没有主角光环，米尔斯最终和万千感染者一样，死在了临时收治中心。甚至因为尸体袋早已被用完，只能用塑料布草草地将尸体处理。
在传染病面前，一个人的力量或许显得渺小，但正是有这么千千万万像米尔斯这样不顾自身安危的英雄，才最终能够战胜病毒，拯救苍生。
此刻奋战在一线的还有疾控中心的年轻女医生艾莉，为了快速研制出疫苗，她将实验与旧金山私人实验室的萨斯曼医生共享。然而上司基弗却下令关停私人研究，只准政府所管辖的BSL-4最高等级实验室进行研究。
但是，政府研究虽然更有优势，但是会在行政审批上耗费大量时间。面对迅速扩散的疫情，萨斯曼偷偷保存了病毒样本，不顾自身安危，在BSL-3实验室，用蝙蝠肺部细胞中培育出了病毒，将疫苗研制工程往前推进了一大步。然而，完全可以靠这个发财的萨斯曼，却什么要求都没有。为了全人类消灭病毒的信念，战胜了对名利的渴求。
而艾莉更是以身犯险，在猴子身上试验成功后，她主动让自己成为了第一个注射疫苗的人类。而事实证明，艾莉成功了。
而艾莉的医生父亲，同样也是这样一位不顾自身安危救死扶伤的的白衣天使。
艾莉去病房探望父亲，两人谈笑间，潸然泪下。导演少见的在这场戏用了偏温暖的色调，人性的光辉在此刻闪耀，不禁让人无比动容。
而玛丽昂·歌迪亚饰演的世界卫生组织流行病专家利奥诺拉被派往香港调查病因。经过调查研究，她终于发现最初的几位“超级感染者”曾在病毒感染的第一天一同在澳门赌场里出现，也证实了米尔斯关于病毒通过呼吸系统以及非生物介质传递的猜想。而现在剩下的最大谜团，便是贝斯之前的0号病毒感染源是来自于哪里？
然而，就在利奥诺拉完成任务要回国时，却被香港的助手孙峰所绑架，并带到了其所在的村子里。利奥诺拉看到的是一群幸存的老弱妇孺，他们被排到了接种疫苗名单的最后，无助地等待着救援。
孙峰以利奥诺拉为人质，从前来接她回去的官员手上换取了疫苗，并在第一时间给利奥诺拉用了一支。随后返回了村子。
但是在登机口，官员却告诉利奥诺拉刚才拿去换回她的只不过是安慰剂，政府是不会跟绑架者妥协的，
并把真正的疫苗交到了她的手上。
但是利奥诺拉在听闻后却显得很震惊和失望，她头也不回的返回了村子。尽管曾经被绑架，但在此刻，人类之间的大爱显然超越了不同种族、阶级、文化之间的隔阂。
而在这种情况下，我们也很难用简单的善恶对立来评价孙峰。虽然他的方法显然是在犯罪，但是为了救全村人，他似乎又别无选择。
而米尔斯的上司，劳伦斯·菲什伯恩饰演的疾病控制中心的基弗医生，在封锁城市前出于徇私，偷偷告诉自己的妻子赶快离开，而消息泄露后他也因此被弹劾。
但同样是他，在优先获得疫苗后，给妻子接种完之后，把剩下的一支给了清洁工的孩子。
“每个人都有孩子”，尽管或许阶层不同，但他们的生命都同样宝贵。
不管出于什么阶级职业立场，他们都是我们身边的普通人，有懦弱自私的一面，也有勇敢博爱的一面。
而马特达蒙饰演的米丘，属于有着天然抗体的人群。但为了保护和前妻生的女儿，在接连失去现任妻子贝斯和继子之后，他强忍悲痛，继续承担起了作为父亲应尽的责任。
然而，随着病毒的迅速扩散，全球已经有超过2600万人遭受感染，社会秩序已经失控。疯狂的人们到处抢夺物资，超市也被洗劫一空，绑架、抢劫时不时的发生。美国政府为了稳定公众情绪，只能采取按照生日摇号的方式逐日派发疫苗。
这天，女儿的男友在接种完疫苗后，终于可以来到米丘家中和女友约会。两人在温馨浪漫的氛围中曼舞，米丘看到这一幕后，也露出了久违的笑容。正像我们大部分普通人一样，在困境中依旧满怀着对生活的希望。
在全球性的灾难面前，人性的复杂多面也在其中尽情展现，裘德洛饰演的网红博主赋予了影片更深一层的社会议题。
他利用公众盲目和恐慌情绪，散布谣言来引发民众对政府的不信任。他假装自己被感染，并通过一种未被科学证实的中药“连翘”治愈，从中大肆获利，粉丝也迅速突破千万。
尽管国土安全局设局将艾伦逮捕试图起诉他，但狂热的粉丝们却出钱把他保释了出来。
正如影片中基弗医生所说：流言有的时候比病毒要更加可怕。而对于政府官员来说，当面对容易盲目跟风的公众时，选择秉承保守态度，谨慎发布消息。固然有行政效率低下的问题，但在大环境下也有其一定的合理性。而艾伦这样的意见领袖，如果把心思用在正途，同样也可以从正面方向来引导公众舆论。
这个世界向来就不是简单黑白对立的。导演索德伯格认为，他讲的与其是传染病，不如说是在讲述一种人类的困境。在公共环境由同类接触传播的疾病，导致人类对同类的完全不信任，而影片正是展现了在现代文明加之现代疾病的双重压迫下，挣扎着的每个人类个体。
影片最后，最大的谜团“0号感染源“的神秘面纱终于被揭开：某国的推土机推到了森林，也破坏了蝙蝠原本的栖息地，而快节奏的碎切镜头和鼓点节奏配乐也和开头形成了呼应。
蝙蝠含着橡胶来到猪圈，随后猪吞食了橡胶之后，病毒带到了宰杀猪的主厨身上，而影片最后一幕则定格在了和主厨握手的贝斯身上，下方字幕出现了"Day 1 第一天“，至此，形成了一个“完美”的闭环。把病毒带去人类社会造成灾难的，恰恰也正是人类自己，影片也带着这层反思落下了帷幕。
作为一部巨星云集的主流商业电影，索德伯格却依旧保持了他早期拍摄独立电影的风格。运用冷静的长焦镜头、主观镜头、手持跟拍的“伪纪录式”摄影风格，为观众营造一种“目睹并参与一场全球灾难性流行病的扩散过程”。
《传染病》继承了索德伯格在《性谎言录像带》里的风格，比如镜头语言内敛，色调冷峻，加上《十一罗汉》、《毒品网络》中运用得炉火纯青的多线索并进的叙事方式，呈现出强烈的写实效果，给予观众极强的带入感。仿佛这样的事件在现在或者不久的将来，就会在我们身边发生。
而在声音和画面的搭配上，索德伯格擅长声音先行，利用黑屏、广角、以及一些抽象镜头，在我们意识到发生了什么之前，先营造出一种氛围，将我们带入到情境中。一旦场景构建完毕，画面也终于跟上了声音。
以开场第一个镜头为例，伴随着机场的播报声，一及急促的咳嗽声，随后才出现了在候机的贝斯。
而影片最后一场戏，前一秒还是米丘女儿和男友跳舞的温馨画面，后一秒便转到了树林间，随着镜头在阴暗的草丛中移动，温馨的乐声渐渐消失，伴随着推土机的轰鸣声和影片开场曾出现过的紧张鼓点乐声，下一个场景正式搭建完毕。刚刚还为劫后余生的主角庆幸的观众，马上又被代入到了紧张不安的情绪中。
除了前面介绍过的擅用跳切镜头外，索尔伯格通常并不优先展开故事情节，而是先介绍人物。并习惯用持续的近景特写镜头来展现人物情绪。
比如影片开场便通过一个长镜头，通过贝斯的电话内容来展现其人物身份背景。
同时，索尔伯格也会利用声音比画面先行、延后的方式来展现人物性格和情绪。
以米尔斯出场的戏为例，上司基弗和米尔斯谈话的内容从米尔斯还没正式进入办公室，在大楼里急促行走时就开始了。
随后，画面切换到米尔斯已经抵达了明尼斯阿波利斯的机场，此时基弗和她的对话仍然再继续。直到跟迎接米尔斯的卫生局官员和她之间的对话进行“无缝衔接”。这种利用声音过度，有意识地省略掉定场镜头，并且经常采用类似在主角后方“偷窥”的反常规视角，让观众仿佛也正好置身于环境中，增加带入感。
这种巧妙的安排，一方面突出了事态的紧急和无从喘息，另一方面也展现了米尔斯做事果断雷厉风行的性格。
在这类伪纪录片风格的电影中，索尔伯格还常用的“跟踪式偷窥镜头”，让观众仿佛跟随着画面主角一直身处于紧张的剧情之中。
以这场戏为例，当米尔斯在得知和贝斯有过接触的感染者正在公交车上时，一直紧张地打电话让他赶紧下车。通过在影视剧中主角上车后便会切换镜头。但索德伯格巧妙地在这一段采取了长镜头，从米尔斯出门一直到上车直至车子开动，一气呵成，让观众一直跟随主角处在紧张的情绪当中。
而在主题呈现上，索尔伯格的电影通常会以宏大的全球问题为中心，像是犯罪毒品疾病贫穷。但在具体呈现方式上又抛弃宏大叙事，将其聚焦于一个个小人物。在宏观全球问题和微观个人问题上实现平衡。这也在《传染病》这部群像电影中展现得淋漓尽致。
在他的电影中，结局往往不是绝对的，角色对于个人及普遍问题的抗争或许永无止境。而人性的复杂多面，也往往无法简单归类。
因为本片根据SARS真实事件改编，为了追求真实感，导演和编剧毫不避讳地将SARS原发地——香港作为疾病原发地。为此，主创团队拜访传染病领域顶尖专家，走访哥伦比亚大学的实验室.还请来专家为影片中的“病毒”设计了符合科学规范的3D模型。不遗余力地追求科学真实性。
毕竟，真实永远是电影艺术的内核动力。对于有警示作用的科幻灾难电影尤其是。
另一方面，导演也在本片中将特效完美融入具有真实感的剧情，在增强视觉效果的同时，使得观众几乎看不出特效的痕迹，不会影响真实带入感。
比如以片中米丘和女儿在高速公路上要出城，却遇到封锁的一场戏而论。
摄制组借用了芝加哥北部的一条高速公路，高速公路上是一批护送疫苗的车队，车队里有大量的军事设备，还有两台全国警卫队直升机。摄影师拍摄了一些城市南部屋顶的图片，把它们放在一起作为matte painting（高级的遮景绘画技术）使用。另外，摄像头可以伴随直升机做一个完整的180°旋转。
想要真正更好理解《传染病》这样的电影，不能仅仅从电影的故事内容本身。否则我们只会看到导演想让我们看到的画面，那么隐藏在电影中真正有价值的思考与隐喻，往往就会被我们所忽略。
因此，今天这篇文章就介绍了一下我对《传染病》这部电影的一些思考，在文章的最后，我也以史蒂文·索德伯格的作品为例，谈了如何更好的欣赏这类伪纪录片式电影的方法。
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