2020年能出来一部电影不容易，哪怕是批判也得让它足金足两够分量，毕竟盖·里奇能在这个背景下推出作品，我敬他是位绅士。
当同一题材当中，难免比较，《绅士们》的内容和叙事手法“花枝招展”，戏中戏，多线叙，环状叙，多种套路用尽，这大概是英国导演盖·里奇的拿手绝活。和许多商业片一样， 这部电影意在娱乐观众。
盖·里奇《绅士们》
首先电影中的黑帮仍旧设定在华人、美国人、俄罗斯人这三个群体上面，和主机大作《GTA：圣安地列斯》中的帮派设定非常相似，典型的西方人视角，也符合了一个爆米花大片应该具备的元素配置。
尽管比起法国的吕克·贝松来说，盖·里奇这部作品没有跑酷，飙车，大爆炸的场面，但拿观众砸挂的行为他可谓玩的炉火纯青，一贯的致力于调戏、嘲弄观众。他给观众们的满足在于自身的参与感，像刘谦变魔术一样，观众们总希望能一下揭穿他背后的玄机，但最终却在他制造的玄幻当中五体投地，盖·里奇在这一方面绝对是集大成者。可惜的是现阶段我们没法捧着爆米花坐在电影院里社交，不然它的价值会体现的更加完整。
吕克·贝松《暴力街区》
但什么电影是好电影，我认为他还是有一定标准的，尽管它没那么明显。拿电影《星际穿越》来说，尽管它是一部科幻片，但看到最后其实我们不难发现与其说它在讲述“人和宇宙”的关系，不如说是在这样一个特殊的背景下在讲述“人和人”之间的关系。这就是《星际穿越》高明的地方，其实电影本该如此，一切以人类为主人公的题材，不管它身处在何种环境之中，它都要以人类的主观情感为出发点，脱离了人类情感而谈环境就是耍流氓。因为电影是给人看的，不管剧中的人物有多穷凶极恶，他也是一个情感的载体，不和人产生直接的共鸣那么人物的塑造就是失败的。
克里斯托弗·诺兰《星际穿越》
从卢米埃尔在1895年拍摄的电影《工厂大门》开始算起，电影发展到现在已经125年了，这种黄人脸谱化的行为确实不该出现，包括片中影射了一个极为不入流的坏人形象：傅满洲。人们不知道他为何坏，并能在坏当中享受些什么，这些都是导演不曾传达给我们的，只是单纯的表现出了人物的丑陋来迎合自恃矜贵的雅利安人对“黄祸论”的想象。就像清朝人眼中的西方人都是拿竹竿子捅了膝盖就站不起来的红毛怪物一样。
克里斯托弗·诺兰《星际穿越》
再说回电影的精神内涵，另一部和他题材相似的黑帮片《爱尔兰人》和《星际穿越》一样是在一个人们不熟悉的背景之下，讲述了一个人们熟悉的故事，与其说是同僚之间义薄云天和敌对势力之间的尔虞我诈，反倒不如说是讲述了一个人和时间的关系，一种对人生的感悟，对人性的剖析。
当“德尼罗”开枪打死了“阿尔”之后，观众们之前酝酿的所有情绪，纠结，困惑、郁结都沦为了绝望，此刻盖·里奇聒噪的镜头运用和剧本上抖出的那些小机灵都变得黯然失色。
马丁·斯科塞斯《爱尔兰人》
所谓的一群人的衰落，并没像《英雄本色》中小马哥他们那么英勇壮烈，更写实的可能不过是几个黑帮大佬在监狱里度日如年。妻离子散，众叛亲离之外，那个还不自知的老家伙让人唏嘘。
“你还在保护谁？你想保护的那群人，他们都死了”。
“马上联系我的律师”。
“你的律师也死了？”
“谁干的？”
“癌症”。
马丁·斯科塞斯创造出这样的对白，是何等的大彻大悟啊，除了牛波依，我还能说什么？仅一段话比一百个剧情反转，一千条线的叙中叙，忆中忆给心灵的震撼与冲击都要强烈。看过这么多黑帮片我们还不清楚吗？杀人其实并不难，枪响人倒地，仅此而已。而难的在于如何说服自己，如何从内心世界中酝酿出一个合理的解释。
马丁·斯科塞斯《爱尔兰人》
尽管《绅士们》建立在一种前浪与后浪之间的反叛与训诫之中，但我没看到半点对于在科恩兄弟的电影《老无所依》当中所展现出来的那种对时间的感悟，那种英雄迟暮，还包括《教父》、《美国往事》、《新警察故事》、《赌城风云》、《好家伙》等等。而盖·里奇取而代之的是一种“少要稳重老要狂”的悖论，从几个老男人卖腐的桥段上来看，“绅士们”确实让人看的反胃尴尬，这种不自持的行为非但不让人感觉有魅力，反而令人作呕。
科恩兄弟《老无所依》
王朔在《梦想照进现实》当中借着韩童生的嘴说出了老男人所坚持的尊严：
原来大家更相信一点，觉得地上的每一点亮儿，都是那个梦想照下来的，都仰着脖子去接光。脖子晒热了，就觉得温暖；晒黑了，就觉得健康，烫皮了，梦更近了；起泡了，已经在梦里了，痛并快乐着。泡破了，露肉了，肉熟了，肉黑了，肉糊了，鼻子哭了，这都没走！走多不爷们呀！走多不牛波依呀！必须死扛，必须的！聚光灯关了，爷们儿没的扛了，闪着爷们儿，爷们儿拧巴了，爷们儿生命不能承受之没东西扛。爷们儿玩火柴，爷们儿攒烟头，爷们儿屁暖床，爷们儿晒月亮，爷们儿什么也瞧不见还站在那儿瞧，仰着脖子，瞪着白内障，这叫什么，这叫坚持！
徐静蕾《梦想照进现实》
两个胡子拉碴的老男人互相抚摸着大腿不是时髦，而是自恋。
当然，我们得有个前提，对于很多观众们来说，影片是否有发人深省的思想，是否有直达人心灵的触痛也许并不重要，人们只是单纯的沉溺在凌厉的镜头中，热衷于在离奇的剧本前卖萌仰视，对于不同需求的观众们来说，它确实值回票价，毕竟有些观众就是嗨这个。
盖·里奇《绅士们》
这部电影其实不需要马修·麦康纳这样的演员，因为整部电影没有内心戏，大部分的喜剧冲突不在于情感方面，没有半点内心的挣扎，只有剧本中各方角力的冲突。换史泰龙、施瓦辛格、道恩·强森也一样演，而且能演的更好。
事实上，在马修·麦康纳和那个类似于傅满洲形象的华人对峙的时候，是全片少有的能够展现马修情绪爆发的阶段之一，但那段宝贵的镜头却被肢解的四分五裂。马修那饱满的情感只能为服务镜头的穿插做了献祭。
盖·里奇《绅士们》
放弃了影片所表达的精神内核之外，一些观众又试图从这其中扒一些细思极恐的细节，以证明自己不是茫茫然的听响看热闹，妄图证明自己是真的在看门道。
一个从后备箱里射出来的镜头被大肆表彰，其实早在马丁·斯科塞斯的《好家伙》以及昆汀的大部分影片当中都几乎成为了没有注册的“专利”了，我们在昆汀的电影中称这种视角为“后备箱视角”，但不管是创意还是致敬，反正在这类观众们眼中都是牛叉的表现。
昆汀·塔伦蒂诺《低俗小说》
盖·里奇《绅士们》
除了镜头喜欢搞乡村“杀马特”之外，盖·里奇还将话唠概念植入到片子当中，我们熟悉的几个话唠导演公认的有伍迪·艾伦、姜文、昆汀·塔伦蒂诺。其中最喜欢把电影当相声演的就是伍迪·艾伦，他在电影《安妮·霍尔》当中有过这样的表述。
有个家伙去看精神病医生，他说：大夫，我兄弟疯了，他以为他自己是一只鸡。
医生说：那你怎么不把他带来？
那家伙说：可是我需要鸡蛋呀。
这就是现在我对男女之间关系的感觉，它是完全非理性的、疯狂的，甚至荒谬的，但是我想我们还一直要经历这一切，因为我们大多数人都需要鸡蛋。
这种带着荒诞、戏谑与自嘲，又伴随着些许无奈台词是带有强烈伍迪·艾伦色彩的语言体系，是值得玩味的。
伍迪·艾伦《安妮·霍尔》
而侯麦的电影《克莱尔的膝盖》100分钟其中有1400句对白，可称电影的话唠之王，但细细品味，语言中仍然营养价值很高。可盖·里奇的台词纯粹为了话唠而话唠，这让他那晦涩的绅士幽默显得不尴不尬。在影片中盖·里奇有一段和昆汀很像的对年轻人“训诫”的场面。而盖·里奇的影片只让人记住了少年隔着窗户跌下去的场面（毕竟分两种方式放了两遍），但昆汀更多是让人记住了那段一本正经的胡说八道，据说里面很多话并不是出自圣经，全是临时编的。为此还有人真就去翻了翻圣经中的原话。
侯麦《克莱尔的膝盖》
而盖·里奇的作品中很难有这样的让人印象深刻的对白，至少马修·麦康纳和亚裔恶棍那段“丛林法则论”就并不出彩，原因在于他对于台词的传播性缺乏研究，对于人物的内心也没有刻画，角色自然不会自己从肚子里冒出来一些导演都没想出来的话，拿姜文的那句：“你他妈的告诉我，什么叫他妈的惊喜”这句台词来说，其实和前面举例的影片台词不同的地方在于它没有那么深刻的含义，却具有很强的传播性，当然，连续说三遍效果最佳，这属于洗脑式的强力植入。
昆汀·塔伦蒂诺《低俗小说》
姜文《让子弹飞》
当然还有梁天在《本命年》当中的没劲宣言：
梁天：咳，你说活着有什么劲？你说上班吧，没劲。不上班吧，也没...也没劲。
你说搞对象吧，没劲。不搞对象也没劲。
你说，怎们什么事都这么没劲呢！
姜文：你别打岔，我的钱呢，你干嘛了？
梁天：钱...要钱有什么劲啊？可是...不要钱吧，它也没劲。
姜文：打你丫一顿就有劲了。
梁天：你打我一顿没劲...你要不打我呢...它也没劲
姜文：那还是打你一顿吧!
梁天：哎哎！大哥，大哥，你别打脸，我明儿还上班呢！
姜文《本命年》
一段对话体现出了那个时代的“后进青年”对于社会变迁带来的不适与迷茫，既对所谓“垮掉的一代”青年人的思想进行了解构，同时对白又具备相当强的传播性，以至于30年过去了，人们仍旧对那段“没劲宣言”记忆犹新。
盖·里奇《绅士们》
擅长局中局的盖·里奇如今的独门绝学仍旧得心应手，但无论镜头和结构再怎么精巧，也没办法弥补电影内在核心的缺失，靠外在形式的技术不可能吃遍天，不然宁浩也不无法临摹《两杆大烟枪》拍出《疯狂的石头》，不解决影片内涵问题的话，盖·里奇永远只是小聪明，而不是大智慧。
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